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Erster kommerzieller Film gezeigt

Erster kommerzieller Film gezeigt

Am 28. Dezember 1895 findet im Grand Café in Paris die weltweit erste kommerzielle Filmvorführung statt. Der Film wurde von Louis und Auguste Lumiere gedreht, zwei französischen Brüdern, die einen Kameraprojektor namens Cinematographe entwickelten. Die Brüder Lumiere stellten ihre Erfindung im März 1895 der Öffentlichkeit mit einem kurzen Film vor, der zeigt, wie Arbeiter die Fabrik von Lumiere verlassen. Am 28. Dezember zeigten die Unternehmer-Geschwister eine Reihe kurzer Szenen aus dem französischen Alltag und verlangten erstmals Eintritt.

Die Filmtechnologie hat ihre Wurzeln in den frühen 1830er Jahren, als Joseph Plateau aus Belgien und Simon Stampfer aus Österreich gleichzeitig ein Gerät namens Phenakistoskop entwickelten, das eine rotierende Scheibe mit Schlitzen enthielt, durch die eine Reihe von Zeichnungen betrachtet werden konnte, was den Effekt eines a einzelnes bewegtes Bild. Dem Phenakistoskop, das als Vorläufer des modernen Kinofilms gilt, folgten jahrzehntelange Fortschritte, und 1890 entwickelten Thomas Edison und sein Assistent William Dickson die erste Filmkamera, den Kinetographen. Im nächsten Jahr, 1891, erfand Edison das Kinetoskop, eine Maschine mit einem Guckloch, die es einer Person ermöglichte, einen Filmstreifen zu sehen, der sich an einem Licht vorbei bewegte.

1894 sah Antoine Lumiere, der Vater von Auguste (1862-1954) und Louis (1864-1948), eine Vorführung von Edisons Kinetoskop. Der ältere Lumiere war beeindruckt, sagte aber Berichten zufolge seinen Söhnen, die eine erfolgreiche Fotoplattenfabrik in Lyon, Frankreich, leiteten, dass sie sich etwas Besseres einfallen lassen könnten. Der 1895 patentierte Cinematographe von Louis Lumiere war eine Kombination aus Filmkamera und Projektor, die bewegte Bilder auf einer Leinwand für ein Publikum anzeigen konnte. Der Cinematographe war auch kleiner, leichter und verbrauchte weniger Film als die Technologie von Edison.

Die Lumieres eröffneten 1896 Theater (bekannt als Kinos), um ihre Arbeit zu zeigen, und schickten Kamerateams in die ganze Welt, um Filme zu zeigen und neues Material zu drehen. In Amerika nahm die Filmindustrie schnell Fahrt auf. Im Jahr 1896 wurde in New Orleans die Vitascope Hall eröffnet, die als das erste Theater in den USA gilt, das sich der Vorführung von Filmen widmet. Im Jahr 1909, The New York Times veröffentlichte seine erste Filmkritik (von D.W. Griffiths Pippa-Pässe), 1911 eröffnete das erste Hollywood-Filmstudio und 1914 gab Charlie Chaplin sein Kinodebüt.

Neben dem Cinematographe entwickelten die Lumieres auch das erste praktische Farbfotografieverfahren, die Autochrome-Platte, die 1907 debütierte.

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Ursprünge

Die Illusion von Filmen basiert auf optischen Phänomenen, die als Persistenz des Sehens und Phi-Phänomen bekannt sind. Die erste von ihnen bewirkt, dass das Gehirn Bilder, die auf die Netzhaut des Auges geworfen werden, für den Bruchteil einer Sekunde über ihr Verschwinden aus dem Sichtfeld hinaus festhält, während die letztere eine scheinbare Bewegung zwischen den Bildern erzeugt, wenn sie schnell aufeinander folgen. Zusammen ermöglichen diese Phänomene, dass die Abfolge von Standbildern auf einem Filmstreifen eine kontinuierliche Bewegung darstellt, wenn sie mit der richtigen Geschwindigkeit projiziert wird (traditionell 16 Bilder pro Sekunde für Stummfilme und 24 Bilder pro Sekunde für Tonfilme). Vor der Erfindung der Fotografie nutzten verschiedene optische Spielzeuge diesen Effekt aus, indem sie aufeinanderfolgende Phasenzeichnungen von sich bewegenden Dingen auf der Vorderseite einer wirbelnden Scheibe (das Phenakistoskop, um 1832) oder in einer rotierenden Trommel (das Zoetrop, um 1834) anbrachten ). Dann, im Jahr 1839, perfektionierte Louis-Jacques-Mandé Daguerre, ein französischer Maler, das als Daguerreotypie bekannte positive fotografische Verfahren, und im selben Jahr demonstrierte der englische Wissenschaftler William Henry Fox Talbot erfolgreich ein negatives fotografisches Verfahren, das theoretisch unbegrenzte positive Abzüge ermöglichte aus jedem Negativ hergestellt. Mit der Innovation und Verfeinerung der Fotografie in den nächsten Jahrzehnten wurde es möglich, die Phasenzeichnungen in den frühen optischen Spielzeugen und Geräten durch individuell gestellte Phasenfotos zu ersetzen, eine Praxis, die weit verbreitet und allgemein praktiziert wurde.

Echte Bewegtbilder würde es jedoch erst geben, wenn Live-Action spontan und gleichzeitig fotografiert werden könnte. Dies erforderte eine Verkürzung der Belichtungszeit von der ungefähren Stunde, die für die bahnbrechenden fotografischen Verfahren notwendig war, auf die Hundertstel (und letztendlich ein Tausendstel) einer Sekunde, die 1870 erreicht wurde. Es erforderte auch die Entwicklung der Technologie der Serienfotografie zwischen 1872 und 1877 vom britisch-amerikanischen Fotografen Eadweard Muybridge auf einmal erden. Konventionen der Illustration des 19. Jahrhunderts legten etwas anderes nahe, und die Bewegung selbst erfolgte zu schnell für die Wahrnehmung mit bloßem Auge. Schließlich stellte er 1877 eine Batterie von 12 Kameras entlang einer Rennbahn in Sacramento auf, wobei Drähte über die Strecke gespannt waren, um ihre Fensterläden zu betätigen. Als ein Pferd den Weg entlangschritt, lösten seine Hufe jeden Verschluss einzeln aus, um ein aufeinanderfolgendes Foto des Galopps freizulegen, was Stanfords Überzeugung bestätigte. Als Muybridge diese Bilder später auf eine rotierende Scheibe montierte und sie durch eine magische Laterne auf eine Leinwand projizierte, entstand ein „bewegtes Bild“ des Pferdes im vollen Galopp, wie es sich tatsächlich im Leben ereignet hatte.

Der französische Physiologe Étienne-Jules Marey machte 1882 die ersten Serienaufnahmen mit einem einzigen Instrument. Der Anstoß war erneut die Analyse von Bewegungen, die für die Wahrnehmung durch das menschliche Auge zu schnell waren. Marey erfand die chronofotografische Waffe, eine wie ein Gewehr geformte Kamera, die 12 aufeinanderfolgende Fotos pro Sekunde aufzeichnete, um die Bewegung von Vögeln im Flug zu studieren. Diese Bilder wurden auf eine rotierende Glasplatte (später Papierrollenfilm) gedruckt und Marey versuchte anschließend, sie zu projizieren. Wie Muybridge war Marey jedoch daran interessiert, Bewegung zu dekonstruieren, anstatt sie zu synthetisieren, und er führte seine Experimente nicht weit über den Bereich der Hochgeschwindigkeits- oder Sofortbild-Serienfotografie hinaus. Tatsächlich führten Muybridge und Marey ihre Arbeit im Geiste der wissenschaftlichen Forschung durch, sie erweiterten und entwickelten bestehende Technologien, um Ereignisse zu untersuchen und zu analysieren, die jenseits der menschlichen Wahrnehmungsschwelle stattfanden. Diejenigen, die danach kamen, würden ihre Entdeckungen in den Bereich des normalen menschlichen Sehens zurückbringen und sie gewinnbringend ausbeuten.

1887 entwickelte ein bischöflicher Pfarrer namens Hannibal Goodwin in Newark, New Jersey, die Idee, Zelluloid als Basis für fotografische Emulsionen zu verwenden. Der Erfinder und Industrielle George Eastman, der zuvor mit sensibilisierten Papierrollen für die Standfotografie experimentiert hatte, begann 1889 in seinem Werk in Rochester, New York, Zelluloid-Rollfilm herzustellen. Dieses Ereignis war entscheidend für die Entwicklung der Kinematografie: Serienfotografie wie Mareys Chronofotografie konnte Glasplatten oder Papierstreifenfilm verwenden, weil sie Ereignisse von kurzer Dauer in einer relativ kleinen Anzahl von Bildern aufzeichnete, aber die Kinematografie würde ihre Motive unweigerlich in längeren, mehr komplizierte Ereignisse, die Tausende von Bildern erfordern und daher genau das flexible, aber langlebige Aufzeichnungsmedium, das Zelluloid darstellt. Es blieb jemandem überlassen, die in den Apparaten von Muybridge und Marey verkörperten Prinzipien mit Zelluloidstreifen zu kombinieren, um zu einer brauchbaren Filmkamera zu gelangen.

Ein solches Gerät wurde Ende der 1880er Jahre von dem in Frankreich geborenen Erfinder Louis Le Prince entwickelt. 1888 drehte er mehrere Kurzfilme in Leeds, England, und im folgenden Jahr begann er, den neu erfundenen Zelluloidfilm zu verwenden. Er sollte seine Arbeiten 1890 in New York City zeigen, aber er verschwand auf Reisen in Frankreich. Die Ausstellung fand nie statt und Le Princes Beitrag zum Kino blieb jahrzehntelang wenig bekannt. Stattdessen war es William Kennedy Laurie Dickson, die in den Labors der Edison Company in West Orange, New Jersey, arbeitete, die die erste Filmkamera schuf.


Geschichte der Fernsehwerbung Timeline

Der erste Fernsehwerbespot debütierte auf dem Höhepunkt des Zweiten Weltkriegs. Im Laufe der Zeit entwickelten sich diese Anzeigen zu einem Phänomen der Popkultur, von denen einige lustig, andere herzerwärmend und einige wenige bahnbrechend waren.

Der weltweit erste Fernsehwerbespot wurde für die Bulova Watch Company ausgestrahlt. Die Anzeige war nur 10 Sekunden lang, kostete zwischen 4 und 9 US-Dollar und wurde von etwa 4.000 Menschen in New York gesehen.

1950er Jahre

Gesponserte Programme waren bei großen Namen wie Colgate, Mattel und Coca-Cola beliebt. Diese Marken wurden während der Sendungen vorgestellt und schafften es manchmal sogar in den Namen der Show, wie zum Beispiel Die Colgate Comedy Hour.

Der 34. Präsident der Vereinigten Staaten, Dwight D. Eisenhower, hatte mit TV-Spots für seinen Wahlkampf großen Erfolg. Walt Disneys Bruder Roy machte aus dem Slogan "I Like Ike" ein Lied und die Spots führten Eisenhower zum Wahlsieg.

Mr. Potato Head war das erste Spielzeug, das jemals in einem TV-Werbespot beworben wurde. Das Original war eine echte Kartoffel mit "Stückpackungen", aber die Leute müssen dieses Gemüse geliebt haben. Fast 2 Millionen verkaufte Mr. Potato Heads allein im ersten Jahr!

1960er Jahre

Eingängige Jingles waren in diesem Jahrzehnt bei Werbetreibenden äußerst beliebt. Einer der bemerkenswertesten stammt von Oscar Mayer und handelt von den Freuden, ein Wiener zu sein.

Eine Firma namens RCA veröffentlichte die erste Anzeige für Farbfernsehen. Es dauerte eine Weile, bis jeder Haushalt von Schwarz auf Weiß wechselte, aber gegen Ende des Jahrzehnts sahen mehr als 2 Millionen Menschen ihre Shows in Farbe.

Das Gesetz zum Rauchen von Zigaretten im öffentlichen Gesundheitswesen verbot Zigarettenwerbung in Fernsehen und Radio. Die Virginia Slim wurde zum letzten Mal während der "The Tonight Show" beworben.

China debütierte seinen ersten Werbespot für Shengui Tonic Wine. Es war 90 Sekunden lang und führte zu viel Verwirrung, da die meisten Menschen noch nie zuvor einen Werbespot gesehen hatten.

Coca-Colas Werbespot mit Mean Joe Greene ist einer der kultigsten aller Zeiten und führte die Pittsburgh Steelers zu einem Sieg beim Super Bowl XIV. Die Anzeige kam am Ende der Bürgerrechtsbewegung und veränderte die Wahrnehmung der Menschen.

Nike kam mit ihrem ersten Werbespot mit Vollgas ins Fernsehen. Es zeigte die Wagen des Feuers Titelsong und zeigte die Entwicklung des Laufens vom Höhlenmenschen zum Marathonläufer.

Apple machte eine mutige Aussage, als sie ihren Werbespot "1984" veröffentlichten. Nur drei Monate nach Ausstrahlung der Anzeige verkaufte das Unternehmen Macintosh-Computer im Wert von 155 Millionen US-Dollar.

Seagram war die erste Spirituosenmarke, die im Fernsehen Werbung machte, als sie einen Werbespot für Crown Royal veröffentlichten. Bis dahin war es verboten, im Fernsehen oder Radio für alkoholische Getränke zu werben.

Quelle: https://www.space.com

Die erste kommerzielle Aufnahme im Weltraum war für ein israelisches Getränk namens Tnuva Milk. Die Anzeige hat es ins Guinness-Buch der Rekorde geschafft.

Dove hat mit diesem aktuellen Werbespot ein Statement zu Schönheitsidealen abgegeben. Die Anzeige zeigte eine Frau, die sich durch einen langen Prozess mit Haaren, Make-up und Photoshop in ein Model verwandelt.

Hulu hat die Art und Weise verändert, wie wir Werbung sehen. Die Zuschauer können je nach Anzahl der Anzeigen, die sie sehen möchten, ein Paketangebot auswählen, von denen einige sogar exklusiv für den Streaming-Dienst verfügbar sind.

Will.i.am von der Band Black Eyed Peas revolutionierte mit seinem Musikvideo "Yes I Can" zum Wahlkampf von Barack Obama die politische Werbung. Die Anzeige verschmolz Musik und Obamas öffentliche Reden.

LinkedIn hat seinen ersten Werbespot veröffentlicht. Die Anzeige wurde während der 88. Academy Awards ausgestrahlt und wurde von der Entscheidung der NASA inspiriert, die Networking-Plattform zu nutzen, um neue Astronauten zu rekrutieren.

Snapchat hat seinen ersten Werbespot auf TBS während des NCAA Final Four Basketballturniers ausgestrahlt. Die Social-Media-Plattform nannte sich während der einminütigen Anzeige "A New Kind of Camera Company".

44% der Menschen geben an, dass sie aufgrund von Streaming-Diensten wie Netflix und Hulu weniger Live-TV sehen. Dies hat zu einem Rückgang der kommerziellen Werbung geführt, da die Leute nicht von Anzeigen unterbrochen werden möchten.


Dies ist die erste Sexszene in der Filmgeschichte

Und es beinhaltet einen weiblichen Orgasmus auf dem Bildschirm, also weiter so, 1933.

Wir können in der Ära von leben Fünfzig Farbtöne, aber Hollywood-Filme waren nicht immer so liberal, wenn es um die Darstellung von Sex geht. Doch solange es bewegte Bilder gibt, gibt es Regisseure, die die sprichwörtliche Grenze überschreiten&mdass die Welt des Kinos bis 1933 das Zeug dazu hatte allgemein gilt als die erste echte Film-Sexszene. Lass es uns aufschlüsseln, sollen wir?

Der Film

Die fragliche Szene ist in Ekstase, ein tschechischer Film aus dem Jahr 1933 (weil amerikanische Filmemacher noch nicht bereit waren, dorthin zu gehen) mit der legendären Schauspielerin und Erfinderin Hedy Lamarr.

Die Einrichtung

In einer ihrer ersten Rollen spielte Lamarr eine junge Frau, die ihren älteren, impotenten Ehemann für eine lustvolle Beziehung mit einem sexy Ingenieur verlässt. Laut Geier, Ihre Liebe führte zu der scheinbar ersten Sexszene des Kinos.

Die Nacktheit

Obwohl Ekstase's Sexszene selbst hat eigentlich keine Nacktheit gezeigt, der Film hat es getan. Am bekanntesten war, dass es eine lange Szene mit Lamarr-Skinny-Dipping gab, die zu dieser Zeit ziemlich skandalös war.

Der Orgasmus

Zum Schluss das wahrscheinlich fortschrittlichste an Ekstase ist, dass die Sexszene Lamarrs Charakter zeigt, der einen Orgasmus erreicht. Wenn man bedenkt, dass selbst viele moderne Filme mit sexpositiven Darstellungen von Frauen zu kämpfen haben, verdient dies mehrere 💯-Emojis, die ausgedruckt und in die Zeit bis 1933 zurückgeschickt wurden.

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Erster kommerzieller Film gezeigt – GESCHICHTE

Notwendige Innovationen für die Adventszeit des Kinos:

Optisches Spielzeug, Schattenshows, „magische Laternen“ und visuelle Tricks gibt es seit Tausenden von Jahren. Viele Erfinder, Wissenschaftler und Hersteller haben das visuelle Phänomen beobachtet, dass eine Reihe von einzelnen in Bewegung gesetzten Standbildern die Illusion von Bewegung erzeugt - ein Konzept namens Beharrlichkeit des Sehens. Diese Bewegungsillusion wurde erstmals 1824 vom britischen Arzt Peter Mark Roget beschrieben und war ein erster Schritt in der Entwicklung des Kinos.

Anfang bis Ende des 19. Jahrhunderts wurden eine Reihe von Technologien, einfaches optisches Spielzeug und mechanische Erfindungen im Zusammenhang mit Bewegung und Sehen entwickelt, die Vorläufer der Geburtsstunde der Filmindustrie waren:

    [Eine sehr frühe Version einer "magischen Laterne" wurde Mitte des 17. Jahrhunderts vom deutschen Jesuitenpater Athanasius Kircher in Rom vorgeschlagen. Der offizielle Erfinder eines brauchbaren Geräts war jedoch in den 1650er Jahren der bekannte niederländische Astronom/Wissenschaftler Christiaan Huygens. Wie bei einem modernen Diaprojektor (der inzwischen veraltet ist!) war sein Hauptmerkmal ein Objektiv, das Bilder von Transparentfolien mit einer einfachen Lichtquelle (z. B. einer Kerze) auf eine Leinwand projizierte.]

Erfindungen und Experimente des späten 19. Jahrhunderts: Muybridge, Marey, Le Prince und Eastman

Der bahnbrechende Brite Eadweard Muybridge (1830-1904), ein früher Fotograf und Erfinder, war berühmt für seine fotografischen Bewegungsstudien (von Tieren und Menschen) am Ende des 19. In den 1870er Jahren experimentierte Muybridge mit der sofortigen Aufzeichnung der Bewegungen eines galoppierenden Pferdes, zunächst auf einer Rennstrecke in Sacramento (Kalifornien). Im Juni 1878 führte er in Palo Alto (Kalifornien) für seinen wohlhabenden Wohltäter Leland Stanford aus San Francisco erfolgreich ein "Chronophotographie"-Experiment durch, bei dem er mit mehreren Kameras den Galopp eines Pferdes aufzeichnete Die Füße waren gleichzeitig vom Boden.

Muybridges Bilder, die Ende des 19. Jahrhunderts weithin veröffentlicht wurden, wurden oft in Streifen geschnitten und in a . verwendet Praxinoskop, ein Nachkomme des Zoetrop Gerät, erfunden von Charles Emile Reynaud im Jahr 1877. Das Praxinoskop war das Erste "Filmmaschine", die eine Reihe von Bildern auf eine Leinwand projizieren könnte. Muybridges Stop-Action-Fotoserie führte zu seiner eigenen Erfindung des 1879 Zoopraxiskop (oder "Zoogyroskop", auch "Rad des Lebens" genannt), eine primitive Filmprojektormaschine, die auch die Illusion von Bewegung (oder Animation) nachbildete, indem sie Bilder - schnell nacheinander angezeigt - von auf einer rotierenden Glasscheibe gedruckten Fotos auf eine Leinwand projizierte .

Echte Kinofilme und keine augentäuschenden „Animationen“ konnten erst nach der Entwicklung eines Films (flexibles und transparentes Zelluloid) entstehen, der Sekundenbruchteile aufnehmen konnte. Einige der ersten Experimente in dieser Hinsicht wurden in den 1880er Jahren von dem Pariser Innovator und Physiologen Etienne-Jules Marey durchgeführt. Er untersuchte, experimentierte und zeichnete Körper (meistens von fliegenden Tieren, wie Pelikane im Flug) in Bewegung mit fotografischen Mitteln auf (und die Idee des französischen Astronomen Pierre-Jules-Cesar Janssen "rotierende fotografische Platte").

Im Jahr 1882 konstruierte Marey, oft behauptet, der "Erfinder des Kinos" zu sein, eine Kamera (oder "Fotopistole"), die mehrere (12) Fotos pro Sekunde von sich bewegenden Tieren oder Menschen aufnehmen konnte - genannt Chronofotografie oder serielle Fotografie, ähnlich wie Muybridges Arbeit, mehrfach belichtete Bilder von rennenden Pferden aufzunehmen. [Der Begriff einen Film drehen wurde möglicherweise von Mareys Erfindung abgeleitet.] Er war in der Lage, mehrere Bilder der Bewegung eines Subjekts auf derselben Kameraplatte aufzuzeichnen, anstatt die einzelnen Bilder, die Muybridge produziert hatte.

Mareys Chronofotografien (Mehrfachbelichtungen auf einzelnen Glasplatten und auf Streifen sensibilisierten Papiers – Zelluloidfilm – die automatisch durch eine von ihm entworfene Kamera gingen) waren revolutionär. Schon bald konnte er eine Bildrate von 30 Bildern erreichen. Weitere Experimente wurden 1888 von dem in Frankreich geborenen Louis Aime Augustin Le Prince durchgeführt. Le Prince verwendete lange Papierrollen, die mit fotografischer Emulsion bedeckt waren, für eine von ihm entwickelte und patentierte Kamera. Von seinem frühen Kinofilm (von denen einer den Titel trug) sind zwei kurze Fragmente erhalten Verkehr über die Leeds Bridge).

Die Arbeit von Muybridge, Marey und Le Prince legte den Grundstein für die Entwicklung von Kinofilmkameras, Projektoren und transparentem Zelluloidfilm - daher die Entwicklung des Kinos.Der amerikanische Erfinder George Eastman, der 1878 zum ersten Mal fotografische Trockenplatten herstellte, lieferte mit seinen parallelen Entwicklungen im Jahr 1888 von sensibilisierten Papierrollen-Fotofilmen (anstelle von Metall- oder Glasplatten) und einer praktischen "Kodak"-Kleinbox-Kamera einen stabileren Zelluloidfilm (eine Standbildkamera), die den Rollfilm verwendet. Er verbesserte die Papierrollenfolie mit einer weiteren Erfindung im Jahr 1889 - perforiert Zelluloid (mit Gelatine beschichteter synthetischer Kunststoff) Rollfilm mit fotografischer, lichtempfindlicher Emulsion und seitlichen Transportlöchern.

Die Geburt des US-Kinos: Thomas Edison und William K.L. Dickson

In den späten 1880er Jahren entlehnte der berühmte amerikanische Erfinder Thomas Alva Edison (1847-1931) (und sein junger britischer Assistent William Kennedy Laurie Dickson (1860-1935)) in seinen industriellen Forschungslabors in West Orange, New Jersey, von den früheren Arbeiten von Muybridge, Marey, Le Prince und Eastman. Ihr Ziel war es, ein Gerät zum Aufzeichnen von Bewegungen auf Film und ein weiteres Gerät zum Betrachten des Films zu konstruieren. Die meisten kreativen und innovativen Entwicklungen sind Dickson zu verdanken - Edison stellte nur das Forschungsprogramm und seine Labors für die revolutionäre Arbeit.

Obwohl Edison oft die Entwicklung früher Filmkameras und Projektoren zugeschrieben wird, war es Dickson, der im November 1890 eine grobe, motorbetriebene Kamera entwickelte, die Filme fotografieren konnte - genannt a Kinetograph. Es war die erste Kinofilmkamera der Welt – schwer und statisch und erforderte viel Licht. Dies war einer der Hauptgründe für das Aufkommen des Kinofilms in den 1890er Jahren. Edison Studios war offiziell bekannt als die Edison-Produktionsfirma (1894-1911), mit Innovationen aufgrund der Arbeit von Edisons Assistenten Dickson in der Mitte der 1890er Jahre. Die motorbetriebene Kamera wurde entwickelt, um Bewegungen mit einem synchronisierten Verschluss- und Kettenradsystem (Dicksons einzigartige Erfindung) einzufangen, das den Film mit einem Elektromotor durch die Kamera bewegen konnte. Der Kinetograph verwendete einen Film mit einer Breite von 35 mm und mit Kettenrädern, um den Film vorzuschieben. Das Kettenradsystem würde die Filmrolle kurz vor dem Verschluss der Kamera anhalten, um ein fotografisches Bild zu erstellen Rahmen (ein Stand- oder Fotobild).

1889 oder 1890 drehte Dickson seinen ersten experimentellen Kinetoskop-Versuchs- oder Testfilm. Monkeyshines Nr. 1 (1889/1890), der einzige erhaltene Film aus dem Zylinder-Kinetoskop, und anscheinend der Erste jemals in den Vereinigten Staaten auf fotografischem Film produzierter Film. Es zeigte die Bewegung des Laborassistenten Sacco Albanese, gefilmt mit einem System, das winzige Bilder verwendet, die sich um den Zylinder drehen.

Dickson-Gruß (1891), anscheinend der zweite in den USA gedrehte Film, bestand aus Testaufnahmen von William K.L. Dickson selbst, verbeugte sich, lächelte und nahm feierlich seinen Hut ab. Es war ein dreisekündiger Clip. Es wurde für einen der ersten verwendet öffentlich Vorführungen von Filmen in den USA mit dem Kinetoskop, die der Federation of Women's Clubs präsentiert wurden.

Im Jahr 1891 entwarf Dickson auch eine frühe Version eines Filmbildprojektors (eine optische Laternenbetrachtungsmaschine) basierend auf dem Zoetrope - genannt der Kinetoskop. Es war ein Peep-Show-Gerät, das es einer Person ermöglichte, sich jeweils einen „Film“ anzusehen. Dickson und Edison bauten im Sommer 1892 auch eine Filmkamera mit vertikalem Einzug.

Die formelle Einführung des Kinetographen im Oktober 1892 setzte den Standard für heute noch verwendete Kinofilmkameras. Es wurde ein Filmstreifen (bestehend aus Zelluloid mit einer lichtempfindlichen Emulsion) verwendet, der 1 1/2 Zoll breit war. Damit wurde die Grundlage für das heutige handelsübliche 35-mm-Filmformat geschaffen, das 1897 auftrat. Die 35-mm-Breite mit 4 Perforationen pro Bild setzte sich 1909 als internationales Standardmaß durch. Bewegliche Handkurbelkameras wurden jedoch bald populärer, da die originale motorbetriebene Kameras waren schwer und sperrig.

Am Samstag, 14. April 1894, wurde eine verfeinerte Version von Edisons Kinetoskop begann den kommerziellen Betrieb zu Unterhaltungszwecken. Das bodenstehende, kastenähnliche Betrachtungsgerät war im Grunde ein sperriger, münzbetriebener Film-"Peep-Show"-Schrank für einen einzelnen Kunden (in dem die Bilder auf einem fortlaufenden Filmschleifenband in Bewegung betrachtet wurden, während sie vor einem gedreht wurden.) ein Rollladen und ein elektrisches Lampenlicht). Es enthielt 40-50-Fuß-Rollen "Film" - ungefähr 16 Sekunden Betrachtungszeit (einer einzigen, ununterbrochenen Aufnahme). Das Kinetoskop, der Vorläufer des Kinofilmprojektors (ohne Ton), wurde schließlich am 31. August 1897 patentiert (Edison beantragte das Patent 1891, erteilt 1893). Das Betrachtungsgerät wurde schnell in Karnevals, Kinetoskop-Salons, Spielhallen und Sideshows für eine Reihe von Jahren beliebt.

Der Welt Erste Filmproduktionsstudio - oder "Amerikas erstes Filmstudio", das Schwarze Maria, oder das Kinetographic Theatre (und von Edison selbst "The Doghouse" genannt) wurde auf dem Gelände von Edisons Labors in West Orange, New Jersey, gebaut. Der Bau begann im Dezember 1892 und wurde am 1. Februar 1893 zu einem Preis von 637,67 US-Dollar (ca. 16.000 US-Dollar im Jahr 2015) abgeschlossen. Es wurde konstruiert, um Filmstreifen für das Kinetoskop herzustellen. Die Innenwände des Studios wurden mit schwarzer Teerpappe bedeckt (um die Darsteller von den knallschwarzen Hintergründen abzuheben). Es hatte ein versenkbares oder aufklappbares Sonnendach, um Sonnenlicht hereinzulassen. Es wurde mit einem drehbaren Sockel oder einer Drehscheibe (auf kreisförmigen Bahngleisen) gebaut, um sich den ganzen Tag nach dem natürlichen Sonnenlicht zu orientieren.

Thomas Edison stellte "seinen" Kinetoskop-Projektor auf der World's Columbian Exhibition in Chicago aus und erhielt Patente für seine Filmkamera, die Kinetograph, und sein elektrisch betriebenes Peepshow-Gerät - das Kinetoskop. Anfang Mai 1893 veranstaltete Edison auch die weltweit erste öffentlich Ausstellung oder Vorführung von Filmen im Brooklyn Institute of Arts and Sciences. Der ausgestellte 34-Sekunden-Film, Schmiedeszene (1893), wurde auf Dicksons Kinetoscope-Viewer betrachtet und mit einem Kinetographen im Black Maria aufgenommen. Es zeigte drei Personen, die sich als Schmiede ausgeben.

Die ersten in der Black Maria gedrehten Bilder wurden im August 1893 von Dickson in der Library of Congress zum Copyright hinterlegt. Am 7. Januar 1894 Die kinetoskopische Edison-Aufzeichnung eines Niesens (auch bekannt) Fred Otts Niesen (1894)) wurde zu Erste Film offiziell urheberrechtlich geschützt. Es war eine der ersten Kurzfilmserien, die Dickson für den Kinetoscope-Zuschauer in Edisons Black Maria Studio mit seinem Assistentenkollegen Fred Ott drehte. Der kurze fünfsekündige Film wurde zu Werbezwecken als eine Reihe von Standfotos zu einem Artikel in . gedreht Harper's Weekly. Es war der früheste erhaltene, urheberrechtlich geschützte Film (oder "Flicker") - bestehend aus einer optischen Aufzeichnung (und einer mittleren Nahaufnahme) von Fred Ott, einem Edison-Mitarbeiter, der komisch in die Kamera niest. Es wurde als Erste mittlere Nahaufnahme.

Ein Kurzfilm (ca. 21 Sekunden lang) mit dem Titel Carmencita (1894) wurde von Edisons Mitarbeiter William K.L. inszeniert und produziert. Dickson. Sie wurde vom 10. bis 16. März 1894 in Edisons Black Maria Studio in West Orange, NJ, gefilmt. Die spanische Tänzerin Carmencita war die erste Frau, die vor einer Edison-Filmkamera zu sehen war, und wahrscheinlich die erste Frau, die in einem US-Film auftrat. In einigen Fällen war die Projektion des Skandalfilms auf ein Kinetoskop verboten, weil es Carmencitas Beine und Unterwäsche beim Drehen und Tanzen enthüllte. Dies war einer der frühesten Fälle von Zensur in der Filmindustrie.

Die meisten der ersten Filme, die im Black Maria gedreht wurden, beinhalteten Teile von Zaubershows, Ausschnitte aus Bühnenstücken, Slapstick-Comedy, Varieté-Aufführungen (mit Tänzern und starken Männern), Akrobatik, Acts aus Buffalo Bills Wild West Show und anderen Tier-Acts, verschiedene Boxkämpfe und Hahnenkämpfe und spärlich bekleidete Frauen. Die meisten der frühesten Bewegtbilder waren jedoch nicht-fiktionale, unbearbeitete, grobe Dokumentarfilme, "Heimfilm"-Ansichten gewöhnlicher Ausschnitte des Lebens - Straßenszenen, die Aktivitäten von Polizei oder Feuerwehr oder Aufnahmen eines vorbeifahrenden Zuges. [Fußnote: Das Studio 'Black Maria' erschien in der Komödie von Universal Abbott und Costello treffen die Keystone Cops (1955).]

In den frühen 1890er Jahren entwickelten Edison und Dickson auch einen Prototypen des Tonfilmsystems namens Kinetophonograph oder Kinetophon - ein Vorläufer des Kinetoskops von 1891 mit einem zylinderförmigen Phonographen (und angeschlossenen Ohrhörerschläuchen), um den unsynchronisierten Klang zu liefern. Der Projektor war über ein Flaschenzugsystem mit dem Phonographen verbunden, aber es funktionierte nicht sehr gut und war schwer zu synchronisieren. Es wurde 1895 offiziell eingeführt, erwies sich jedoch bald als erfolglos, da zu dieser Zeit auch konkurrenzfähige, besser synchronisierte Geräte auf den Markt kamen. Der erste bekannte (und einzige erhaltene) Film mit Live-Ton, der zum Testen des Kinetophons gemacht wurde, war der 17-Sekunden-Film Dickson experimenteller Tonfilm (1894-1895).

Kinetoskopsalons und Filme gedeihen:

Am 14. April 1894 eröffneten die Holland Brothers den ersten Kinetoscope Parlour am 1155 Broadway in New York City und für die Erste Damals stellten sie in ihren Spielhallen Filme, wie wir sie heute kennen, kommerziell aus. Jeder Film kostet 5 Cent zum Anschauen. Für das Anschauen von Filmen in fünf in zwei Reihen aufgestellten Kinetoskop-Geräten zahlten die Besucher 25 Cent als Eintrittspreis. Hier fand die erste kommerzielle Präsentation eines Kinofilms statt. Das überwiegend männliche Publikum wurde von einer Single-Loop-Rolle unterhalten, die bekleidete Tänzerinnen, Sparring-Boxer und Bodybuilder (wie z Sandow der Starke (1894)), Tierhandlungen und Alltagsszenen. Die frühen Zuschauer in den Kinetoscope-Salons staunten selbst über die banalsten bewegten Bilder in sehr kurzen Filmen (zwischen 30 und 60 Sekunden) - ein herannahender Zug oder eine Parade, tanzende Frauen, Hunde, die Ratten terrorisieren, und sich verdrehende Schlangenmenschen.

Bald öffneten sich im ganzen Land Peep-Show-Kinetoscope-Salons, die in Penny-Arkaden, Hotellobbys und Phonographen-Salons in großen Städten in den USA eingerichtet wurden. Eines der Unternehmen, die gegründet wurden, um Edisons Kinetoskope und die Filme zu vermarkten, hieß das Kinetoskop-Ausstellungsfirma. Es gehörte Otway Latham, Grey Latham, Samuel Tilden und Enoch Rector. Im Sommer 1894 stellte sie in der Innenstadt von New York City (in der Nassau St. 83) eine Reihe von Kinetoskopen mit großer Kapazität (die bis zu 50 Meter Film verarbeiten können) auf, von denen jedes eine einminütige Runde der Sechs zeigte runden Michael Leonard-Jack Cushing-Preiskampf (1894) Film (produziert und gefilmt in Edisons Black Maria Studio). Jedes Ansehen kostet 10 Cent oder 60 Cent, um den gesamten Kampf zu sehen. Der beliebte Boxfilm war der erste Boxfilm, der für kommerzielle Ausstellungen produziert wurde.

I m Juni 1894 projizierte der bahnbrechende Erfinder Charles Francis Jenkins als erster Mensch in Richmond, Indiana, einen Film auf eine Leinwand für ein Publikum mit seinem Projektor namens the Phantoskop. Der Film zeigte einen Varieté-Tänzer, der einen Schmetterlingstanz aufführte - der erste Film mit Farbe (Bild für Bild, von Hand getönt). Einige der frühesten handgetönten Farbfilme, die jemals öffentlich veröffentlicht wurden, waren Annabelle Schmetterlingstanz (1894), Annabelle Sonnentanz (1894), und Annabelle Serpentinentanz (1895) mit dem Tanz der Varieté-Music-Hall-Performerin Annabelle Whitford (bekannt als Peerless Annabelle) Moore, deren Routinen in Edisons Studio in New Jersey gefilmt wurden. Das männliche Publikum war begeistert, als sie diese frühen Darstellungen einer bekleideten Tänzerin (manchmal farbig getönt) auf einem Kinetoskop sahen - einem frühen Peep-Show-Gerät zur Projektion von Kurzfilmen.

Junger Griffo v. Kampf gegen Charles Barnett (1895) war der erste "Film" oder Film der Welt, der am 20. Mai 1895 in einer Ladenfront am 156 Broadway in NYC für ein zahlendes Publikum gezeigt wurde. [Dies war mehr als sieben Monate, bevor die Lumière-Brüder ihren Film in Paris zeigten (siehe unten).] Der 8-minütige B&W-Stummfilm (auf einer durchgehenden Filmrolle ohne Unterbrechung gezeigt, mit der "Latham-Schleife", um Reißen zu verhindern) wurde gedreht von Woodville Latham und seinen Söhnen Otway und Grey. Der inszenierte Boxkampf war am 4. Mai 1895 zwischen dem australischen Boxer Albert Griffiths (Young Griffo) und Charles Barnett mit einer Eidoloskop-Kamera auf dem Dach des Madison Square Garden gefilmt worden. Kurz darauf wurden fast 500 Menschen das erste große Publikum des Kinos während der Vorführungen von Filmen mit Titeln wie Friseur, Schmiede, Hahnenkampf, Ringen, und Trapez. Edisons Filmstudio lieferte Filme für diese aufsehenerregende neue Form der Unterhaltung. Bald eröffneten weitere Kinetoscope-Salons in anderen Städten (San Francisco, Atlantic City und Chicago).

Der Kuss (1896) (auch bekannt als The May Irwin Kiss) war der erste Film, der jemals in der Filmgeschichte über ein Küssen eines Paares gedreht wurde. May Irwin und John Rice haben in diesem 20 Sekunden langen Kurzfilm aus ihrem Broadway-Musical von 1895 einen anhaltenden Kuss für Thomas Edisons Filmkamera nachgestellt Die Witwe Jones. Es wurde der beliebteste Film, der in diesem Jahr von Edisons Filmfirma produziert wurde (er wurde in Edisons Black Maria Studio in West Orange, NJ gedreht), war aber auch berüchtigt als der erste Film, der als skandalös kritisiert wurde und Forderungen nach Zensur stellte.

The American Mutoscope Company: Dicksons Trennung von Edison

Verärgert und ein desillusionierter Erfinder, William K.L. Dickson verließ Edison, um 1895 seine eigene Firma namens the . zu gründen Amerikanisches Mutoscope-Unternehmen (siehe weiter unten), die erste und älteste Filmgesellschaft in Amerika. Dickson, ein Nickelodeon-Filmproduzent, der mehrere Jahre mit Thomas Edison zusammengearbeitet hatte, verließ ihn nach einer Meinungsverschiedenheit. Drei weitere schlossen sich Dickson an, die Erfinder Herman Casler und Henry Marvin sowie ein Investor namens Elias Koopman. Das Unternehmen wurde am 841 Broadway in New York gegründet und konzentrierte sich ausschließlich auf die Produktion und den Vertrieb von bewegten Bildern. Das Geschäft wurde nach Canastota, NY, verlegt. Überlegene Alternativen zu den Kinetoskop waren die Erfindung des Unternehmens Mutoskop - ein handbetätigtes Betrachtungsgerät mit Bromidabzügen oder illustrierten Karten im "Flick-Book"-Prinzip und die Biographie Beamer, im Sommer 1896 herausgebracht - ein Projektor mit großformatigem Breitfilm 68 mm (anders als Edisons 35 mm). Die Biographie wurde bald der Hauptkonkurrent von Edison in den USA Kinetoskop und Vitaskop.

[Beachten Sie das Amerikanisches Mutoscope-Unternehmen wurde schließlich der Biographie Unternehmen.]

[Mit dem Patentdatum des Kinetoskops im Jahr 1897 waren sowohl die Kamera (Kinetograph) als auch die Methode zum Betrachten von Filmen (Kinetoskop) mit dem Aufkommen modernerer Leinwandprojektoren für ein größeres Publikum rückläufig.]


Eine kurze Filmgeschichte

In den späten 1800er Jahren war die Unterhaltung an einem Freitagabend merklich weniger technisch als heute. Aber das war nicht so sehr ein Hindernis, sondern eine Chance, die die Geburtsstunde der filmischen Kunstform bedeutete.

In den rund 120 Jahren seit den ersten Versuchen, bewegte Bilder aus aufeinanderfolgenden Standbildern zu erzeugen, hat sich der Film sowohl in Bezug auf das Erzählen als auch in Bezug auf die technische Leistung weit entwickelt.

Wenn TechRadar seine erste Filmwoche startet und die Majestät der Filme feiert, ist es angebracht, in die Geschichtsbücher einzutauchen, um zu sehen, wie wir zu weit, weit entfernten Galaxien reisen oder mit Velociraptoren Motorräder fahren können.

2. Technologie vs. Erzählung

Die Wahrheit ist, dass es eine ziemlich schwierige Aufgabe ist, die genaue Geburt dessen zu finden, was wir als Kino bezeichnen. Im späten 19. Jahrhundert kämpften Erfinder auf der ganzen Welt darum, die ersten zu sein, die nicht nur die Hardware zum Aufnehmen und Anzeigen eines Films, sondern auch die Filme selbst entwickelten.

Es gibt zwar Beweise dafür, dass ein Großteil der Technologie zum Erstellen von bewegten Bildern bereits 1888 erfunden wurde, aber für viele Leute war es ein Paar französischer Brüder namens Antoine und Louis Lumiere, denen die Geburt des Kinos im Jahr 1895 zugeschrieben wurde.

Lumiere gelang es, wie ein Steve Jobs aus dem 19.

Im selben Jahr drehten die Brüder ihren ersten Film, La Sortie de l'usine Lumière à Lyon (oder Arbeiter verlassen die Lumiere-Fabrik in Lyon, wenn Ihr Französisch nicht in der Lage ist), eine 46-sekündige Dokumentation über – Sie haben es erraten it – Arbeiter verlassen die Lumiere-Fabrik in Lyon.

3. Bearbeiten Sie dies

Aber eigentlich geht es beim Film um so viel mehr als nur um eine statische Kamera, die auf etwas gerichtet ist, das passiert. Was modernes Filmemachen möglich macht, ist wohl die Bearbeitung mehrerer Einstellungen zu einem einzigen Film, um eine Erzählung zu erstellen.

Und die ersten Beispiele dafür tauchten bereits im Jahr 1900 auf. In dem Kurzfilm Grandma's Reading Glass von George Albert Smith werden eine Reihe von Nahaufnahmen von Gegenständen mit Aufnahmen eines kleinen Jungen unterbrochen, der durch das Leseglas seiner Großmutter schaut.

Dies ist das erste echte Beispiel für Filme, die verschiedene Schnitte verwenden, um eine Geschichte zu erzählen, was im modernen Kino heute selbstverständlich ist.

4. Der erste Spielfilm

In den ersten zehn Jahren des Filmemachens konzentrierten sich die Schöpfer im Allgemeinen auf Kurzfilme, die auf einer einzigen Rolle liefen.

Das erste Beispiel eines Standardspielfilms, den wir heute kennen und lieben, kann bis ins Jahr 1906 zurückverfolgt werden, als ein junger Australier namens Charles Tait The Story of the Kelly Gang drehte, einen Film über den berüchtigten australischen Bushranger Ned Kelly.

Der Film dauerte weit über eine Stunde und war für die damalige Zeit sowohl ein kritischer als auch kommerzieller Erfolg. Es ist auch einer der Filme über Ned Kelly, in denen Mick Jagger oder Yahoo Serious nicht die Hauptrolle spielen, also muss das ein paar Bonuspunkte geben, nicht wahr?

5. Die Tonfilme

Während es in der frühen Filmszene nur um bewegte Schwarz-Weiß-Bilder auf dem Bildschirm ging, kam die Technologie für die Kopplung mit synchronisiertem Audio viel später. Frühe Filme wurden im Allgemeinen von einer musikalischen Live-Performance begleitet, mit gelegentlichen Kommentaren von einem Schausteller.

Aber das änderte sich mit The Jazz Singer von 1927. Während frühere Filme versucht hatten, den Film mit einem richtigen Soundtrack zu untermalen, wird The Jazz Singer weithin als der erste Film angesehen, der eine synchronisierte Tonspur kombiniert, obwohl er größtenteils stumm ist.

Aber der Film hat das Kino für immer verändert. Bis 1929 galt fast jeder veröffentlichte Hollywood-Film als "Talkie", der die Live-Musikbegleitung durch eine synchronisierte Tonspur mit Dialogen, Soundeffekten und Musik ersetzte.

6. Eingefärbt

Es ist ein wenig überraschend zu wissen, dass in den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts Farbe in den Film kam.Diese frühesten kolorierten Filme wurden von Hand koloriert, was bedeutete, dass die meisten Drucke noch in Schwarzweiß waren. Im Jahr 1903 verwendete der französische Film La Vie et Passion du Jesus Christ ein Verfahren, um seinem Film etwas Farbe zu verleihen, hinterlässt jedoch ein monochromes Erscheinungsbild.

Im Jahr 1912 war ein britischer Dokumentarfilm mit dem Titel With our King and Queen through India das erste Beispiel für einen Film, der natürliche Farben einfing, anstatt Farbtechniken zu verwenden.

Aber letztendlich waren es die 1930er Jahre, bevor Farbfilme zur Norm wurden, als Technicolor das sogenannte Process 4 herausbrachte, das ein Negativ für jede Primärfarbe und eine Matrix für besseren Kontrast kombinierte.

Das erste Feature, das diesen farbenfrohen Prozess verwendete, war 1932 eine Walt-Disney-Animation namens Flowers and Trees.

1934 zeigte The Cat and the Fiddle die erste Live-Action-Sequenz mit der Technicolor Process 4-Technik.

Danach wurde Farbe für Hollywood schnell zur Norm, beginnend mit Becky May, dem ersten Film, der Process 4 für den gesamten Film verwendet.

Und seitdem ist Farbe der letzte Schrei – abgesehen von einigen kunstvollen Schwarz-Weiß-Filmen (wie Kevin Smiths Clerks) natürlich.

7. Fantasound

Der Mann hinter Mickey Mouse hat so viel mehr gemacht als nur einfache Animationen. Walt Disney gilt auch als einer der Begründer des modernen Surround-Sounds.

In den 1940er Jahren, als er an Fantasia arbeitete, wollte Walt während des Abschnitts "Hummelflug" des Films irgendwie das Geräusch einer Hummel hören, die um das Publikum herumfliegt.

Disney sprach mit den Ingenieuren von Bell Labs, die sich der Herausforderung stellten wie Bienen zum Honig und das sogenannte "Fantasound" kreierten.

Aber obwohl Fantasound eines der ersten Beispiele für Surround-Sound war, war es auch unerschwinglich teuer und kostete 85.000 US-Dollar für die Installation. Daher haben es nur zwei Theater in den USA installiert, weshalb Sie wahrscheinlich noch nie von Fantasound gehört haben.

Natürlich hat sich Surround-Sound seitdem weit entwickelt, zu dem wir gleich kommen werden.

8. Cinemascope

In den 1950er Jahren begannen Filmstudios, sich der Technologie zuzuwenden, um den durch die Einführung des Fernsehens verursachten Rückgang der Kinokartenverkäufe zu unterstützen.

Die erste dieser Technologien, die auf den Markt kam, hieß Cinemascope, die von 20th Century Fox auf den Markt gebracht wurde und 1953 mit der Veröffentlichung von The Robe debütierte.

Im Wesentlichen eine Verfeinerung einer Idee von 1926, verwendete Cinemascope anamorphotische Objektive, um ein viel breiteres – und in der Folge größeres – Bild zu erzeugen. Das Seitenverhältnis von Cinemascope-Filmen betrug 2,66:1, verglichen mit dem damaligen Standardverhältnis von 1,37:1.

Während Cinemascope durch neuere Technologien weitgehend überflüssig wurde, sind die von ihm geschaffenen Seitenverhältnisse immer noch ungefähr der Standard, den wir heute bei Filmen sehen.

9. Kino

Zur gleichen Zeit, als Cinemascope Hollywood zu erobern begann, bot eine andere Technologie das Breitbildformat auf andere Weise an.

Anstatt sich auf anamorphotische Objektive zu verlassen, verlangte Cinerama, dass Kinos über drei synchronisierte 35-mm-Projektoren verfügen, die auf eine stark gekrümmte Leinwand projiziert werden.

Das Endergebnis war ein Bild mit einem Seitenverhältnis von etwa 2,65:1, das jedoch einige offensichtliche Herausforderungen aufwies, insbesondere wenn sich die Projektoren überlappen.

In den 1960er Jahren führten die steigenden Kosten für das gleichzeitige Filmen mit drei Kameras dazu, dass die Technologie so optimiert wurde, dass sie mit einem einzigen Breitbild-Panavision-Kameraobjektiv aufgezeichnet wurde, das dann mit den drei Kameras angezeigt wurde.

Cinerama brachte auch eine der ersten Instanzen von magnetischem Mehrspur-Surround-Sound mit. Sieben Audiospuren (fünf vorne, zwei Surround) wurden mit dem Filmmaterial synchronisiert, wobei ein Toningenieur die Surround-Audiokanäle nach Bedarf während der Wiedergabe steuerte.

Heute gibt es immer noch eine begrenzte Anzahl von Cinerama-Theatern auf der ganzen Welt, die das volle Erlebnis bieten, wenn Sie sich fragen, was in den 1950er Jahren der letzte Schrei war.

10. VistaVision

Hey! Wenn alle anderen mit Widescreen-Kinotechnologien experimentieren würden, würde Paramount Pictures auf keinen Fall zurückbleiben.

VistaVision war Paramounts Antwort auf Cinemascope und Cinerama. Anstatt mehrere Kameras oder anamorphotische Objektive zu verwenden, ließ VistaVision 35-mm-Film horizontal durch das Kamerafenster laufen, um auf einem größeren Bereich zu fotografieren.

Der offensichtliche Vorteil dieses Ansatzes bestand darin, dass die Kinos nicht komplett neue Geräte erhalten mussten. Mit den konkurrierenden Technologien wurden jedoch alle VistaVision-Filme so gedreht, dass sie in verschiedenen Seitenverhältnissen angezeigt werden konnten.

Mit White Christmas im Jahr 1954 auf den Markt gebracht und in den 1950er Jahren in einer Reihe von Alfred Hitchcock-Filmen verwendet, wurde VistaVision schließlich durch die Einführung verbesserter Filmmaterialien und den Aufstieg billigerer anamorphotischer Systeme obsolet.

11. 3D

Wenn Sie denken, dass der Aufstieg (und Fall) des 3D-Kinos mit Avatar begann, dann irren Sie sich. 3D geht tatsächlich auf die Anfänge der Kinogeschichte zurück, mit einem Patent, das Ende der 1890er Jahre eingereicht wurde, mit zwei Filmen, die nebeneinander gezeigt und mit einem Stereoskop in 3D umgewandelt wurden. Es war nicht sehr praktisch, und so scheiterte letztendlich der Start.

Aber das hat die Leute nicht davon abgehalten, es in den frühen Jahrzehnten des Kinos zu versuchen, 3D mit vielen der Technologien zu testen, die wir heute noch sehen. Im Jahr 1922 wurde ein Film mit dem Titel The Power of Love mit einer Anaglyphenbrille (der roten und der blauen) gezeigt.

Aber erst in den 1950er Jahren erlebte 3D seine erste wirkliche Erfolgswelle. Angeführt von der Veröffentlichung von Bwana Devil im Jahr 1952, dem ersten stereoskopischen 3D-Farbfilm, und mit Veröffentlichungen in den meisten großen Filmstudios eroberte 3D das Kino im Sturm.

Für ein paar Jahre jedenfalls. Während in den 50er und 60er Jahren weiterhin 3D-Filme produziert wurden, führten konkurrierende Technologien wie Cinemascope in Verbindung mit dem Aufkommen des Fernsehens und den Kosten für den gleichzeitigen Betrieb von zwei Projektoren für 3D dazu, dass das Format nie wirklich durchkam.

Natürlich hat die Technologie in letzter Zeit ein Wiederaufleben erlebt, hauptsächlich dank James Camerons Avatar. Die Meinungen über die Technologie sind ziemlich geteilt, aber sie wird definitiv als Zugpferd für den neueren Trend zu Blockbuster-Veröffentlichungen angesehen.

12. IMAX

Um zu zeigen, dass größer besser ist, präsentierte eine kanadische Firma 1970 auf der Expo 70 in Osaka den allerersten IMAX-Film, Tiger Child. Mit einer speziellen Kamera, die ein größeres Filmformat unterstützt, bieten IMAX-Filme eine deutlich höhere Auflösung als die Standardfilm-Pendants.

Bei den ab 1971 eingeführten dedizierten IMAX-Kinos bedeutet die höhere Auflösung, dass die Zuschauer normalerweise näher an der Leinwand sitzen können. Typische IMAX-Kinos haben 22 Meter breite und 16 Meter hohe Leinwände, obwohl sie größer sein können – in Sydney, Australien, misst die größte IMAX-Leinwand der Welt 35,7 Meter breit und 29,7 Meter hoch. Es ist ziemlich toll.

Während viele der Filme, die auf einer IMAX-Leinwand gezeigt werden, entweder Dokumentarfilme oder hochskalierte Versionen von 35-mm-Filmen sind, gibt es eine wachsende Tendenz bei Filmemachern, Teile ihrer Hollywood-Blockbuster mit IMAX-Kameras zu drehen.

13. Dolby-Sound

Während es natürlich ist, die Geschichte des Films mit dem visuellen Spektakel zu verbinden, ist es wichtig, sich an die Bedeutung des Tons zu erinnern.

Und während wir bereits in den 1940er Jahren gesehen haben, dass Surround-Sound in den Kinos Einzug hielt, begann in den 1970er Jahren eine Firma namens Dolby Labs einen sehr großen Einfluss auf den Kinosound.

Seit der Veröffentlichung von A Clockwork Orange – das Dolby-Rauschunterdrückung bei allen Pre-Mixes und Mastern verwendet – hat Dolby die Art und Weise, wie wir unsere Filme hören, grundlegend verändert.

1975 führte Dolby Dolby Stereo ein, gefolgt von der Einführung von Dolby Surround (das selbst zu Dolby Pro Logic wurde), das die Technologie ins Haus brachte.

Mit der Veröffentlichung von Batman Returns von 1992 führte Dolby Digital Kinos die digitale Surround-Sound-Komprimierung ein, die als Dolby AC-3-Standard für Heiminstallationen überarbeitet wurde.

Obwohl es andere Film-Audio-Technologien gibt, hat Dolby zweifellos den Weg geebnet und sich zum internationalen Standard für Surround-Sound sowohl im Kino als auch zu Hause entwickelt.

14. DTS

Vier Jahre nachdem Dolby mit der Arbeit an Dolby Digital begonnen hatte, kam ein weiteres Unternehmen hinzu, um den Kinoton zu revolutionieren.

Ursprünglich unterstützt von Blockbuster-Regisseur Steven Spielberg, feierte DTS 1993 mit der Veröffentlichung von Jurassic Park, etwa 12 Monate nach dem Start von Dolby Digital, sein Kinodebüt.

Jurassic Park erlebte auch das Debüt des Formats in einer Heimkinoumgebung' mit der Laserdisc-Veröffentlichung des Films, die die Technologie bietet.

Heutzutage gibt es eine Fülle von DTS-Codecs, sowohl für Kino- als auch für Heimkino-Veröffentlichungen.

15. THX

Oh, George Lucas, wir können dir nicht böse sein. Sicher, du hast unsere Kindheitserinnerungen mit deinen Star Wars-Prequels und deinen Crystal Skulls absolut ruiniert, aber wir dürfen nicht vergessen, dass dein Vermächtnis über bloße Star Wars- und Indiana Jones-Credits hinausgeht.

Sie waren auch maßgeblich an der Erstellung der THX-Zertifizierung für Audio beteiligt. Während THX oft als alternatives Codec-System für Audio wie Dolby Digital verwechselt wird, ist THX in Wahrheit eher eine Zertifizierung zur Qualitätssicherung. Damit konnten sich die Zuschauer sicher sein, dass der Ton, den sie erlebten, das war, was die Toningenieure, die den Film erstellten, von ihnen wollten.

Während also Tomlinson Holman die grundlegende Ehre für THX verdient, bedeutet die Tatsache, dass Lucas den Standard eingeführt hat, um die Veröffentlichung von Return of the Jedi zu begleiten, dass wir für Jar Jar Binks etwas weniger wütend auf ihn sein können.

16. CGI

Während die Leute bereits in den 1960er und 70er Jahren mit Computergrafiken auf Bildschirmen herumspielten, mit Beispielen wie Westworld, die eine grafische Darstellung der realen Welt zeigten, ging es mit Star Trek II: The Wrath of Khan richtig los.

Im Film ist die Genesis-Effektsequenz vollständig computergeneriert, eine Premiere für das Kino.

Auch hier können wir George Lucas teilweise für diesen Trend danken, da die Effekte von seiner Firma Industrial Light and Magic kreiert wurden. Von hier aus geht der Trend zur Einbindung von CGI-Elementen in Kinokaskaden mit Hunderten von Entwicklungen über Hunderte von Filmen.

Bemerkenswerte Beispiele sind Toy Story als erster CGI-Animationsfilm, Terminator 2 für die Morphing-Funktionen des T-1000 und The Matrix mit seinen Bullet-Time-Sequenzen.

Oh, und die Star Wars-Prequels für die umfangreiche Verwendung von CG-Unterstützungscharakteren und -hintergründen, Avatar für virtuelle Charaktere mit Mo-Cap und Die Herr der Ringe-Trilogie für die Einführung von KI-Software für digitale Charaktere.

CGI hat das Filmemachen komplett verändert und es wird immer besser.

17. Digitale Kinematografie

Für unsere iPhones und Digitalkameras ist es heutzutage selbstverständlich, aber die Wahrheit ist, dass die Aufnahme digitaler Videos ein relativ neues Phänomen ist. Während Sony in den 1980er und 90er Jahren das Wasser testete, fiel es erneut dem ewigen Pionier George Lucas zu, den Technologie-Mainstream zu erobern.

Mit (stöhnen) The Phantom Menace hat Lucas zwar Star Wars ruiniert, aber er hat es auch geschafft, das Filmemachen zu revolutionieren, indem er Filmmaterial verwendet, das mit Digitalkameras aufgenommen wurde. Der Film sah auch die Ankunft von digitalen Projektoren in den Kinos auf der ganzen Welt.

Bis Ende 2013 war Paramount vollständig auf den digitalen Vertrieb seiner Filme umgestiegen und hat 35-mm-Filme vollständig aus seinem Angebot gestrichen.

Das heißt, der Film wird nicht verschwinden – sogar Star Wars Episode VII-Regisseur JJ Abrams bekennt sich zu seiner Liebe zum Filmen, während Quentin Tarantino bestätigt hat, dass er seinen neuesten Film, The Hateful Eight, in 70-mm-Film dreht, um Digital zu vermeiden Projektion. Doch trotz dieser Rückschläge nimmt der Trend zur Digitalisierung weiter zu.

18. Hohe Bildrate

Während der Film in den letzten 100 Jahren stark gereift ist, ist es interessant, dass die Bildrate von 24 Bildern pro Sekunde durchweg ziemlich konstant geblieben ist.

Während das frühe Kino mit der Bildrate experimentierte, wurde sie seit der Einführung von 24 Bildern pro Sekunde als Standard weitgehend in Ruhe gelassen.

Das heißt, bis ein aufregender Filmemacher namens Peter Jackson beschloss, seine Rückkehr nach Mittelerde – Der Hobbit: Eine unerwartete Reise aus dem Jahr 2012 – mit der hohen Bildrate von 48 Bildern pro Sekunde zu filmen.

Die Technologie wurde nicht allgemein geliebt – Kritikpunkte beinhalteten den Verlust des "kinematischen" Gefühls der Filme sowie das Ergebnis eines schärferen Bildes, das sich eher wie ein Videospiel als wie ein Film anfühlt.

Aber da James Cameron plant, seine Avatar-Fortsetzungen mit 48 Bildern pro Sekunde zu drehen, wird die Technologie nicht verschwinden.

19. Atmosphäre

Wie wir bereits festgestellt haben, hat Dolby eine lange Geschichte bei der Revolutionierung des Kino-Audios. 2012 hat es das Unternehmen mit der Einführung von Dolby Atmos erneut getan.

Atmos ermöglicht 128 Kanäle mit synchronisiertem Audio und Metadaten, die mit dem Schwenkbild verknüpft sind, um die bisher lebensechteste Surround-Sound-Lösung zu erstellen.

Was Atmos wirklich großartig macht, ist, dass es den Sound basierend auf den Metadaten in Echtzeit mit jedem vorhandenen Lautsprechersystem rendert, anstatt dass ein Toningenieur vorschreiben muss, welche Sounds über welchen Lautsprecher wiedergegeben werden.

Die Technologie, die ursprünglich für den Kinogebrauch bestimmt war, hat auch ihren Weg in die Heimkinos gefunden, mit kompatiblen AV-Receivern.

20. Die Zukunft

Mit der exponentiellen Entwicklung der Technologie wird die Zukunft des Films mit Sicherheit spannend.

Mit der Einführung von VR-Geräten wie der Oculus Rift beginnen Filmemacher bereits, sich mit 360-Grad-Filmen zu beschäftigen.

Andere experimentieren mit interaktivem Kino und machen den Film zu einem Erlebnis, das du dir selbst aussuchen kannst.

Eines ist sicher: Das Filmemachen hat in relativ kurzer Zeit einen langen Weg zurückgelegt, und es wird zweifellos noch schneller voranschreiten, wenn wir tiefer in das 21. Jahrhundert eintauchen.


Berühmte Handys aus der Popkultur

Große, veraltete Handys sind in älteren Filmen und Fernsehsendungen zu sehen, während in den letzten Filmen häufig neue High-Tech-Geräte verwendet werden. Hier ein Rückblick auf einige berühmte Mobilgeräte, die auf den großen und kleinen Bildschirmen erschienen.

  • In der Fernsehsendung Von der Glocke gerettet, Charakter Zack Morris schleppte ein klobiges Handy herum, von dem man annahm, dass es ein Motorola DynaTAC ist.
  • Das Nokia 8110 wurde populär, nachdem es im Film von 1999 entdeckt wurde Die Matrix.
  • Das Nokia 7650 wurde im Film von 2002 vorgestellt Minderheitsbericht mit Tom Cruise.
  • In 2003, Die Matrix trilogy auf einen Samsung SPH-N270 umgestellt.

Das Handgerät wog 0,8 Kilogramm und sein Akku soll laut einem Firmeninformationsblatt aus den 1970er Jahren etwa acht Stunden halten. Das Drücken einer Taste zum Abheben des Hörers – so genannt, um das Abheben eines Standardtelefons von der Basisstation zu symbolisieren – würde einen Telefonanruf starten, während das Drücken einer Taste zum Abheben des Hörers das Gespräch beenden würde.

Die geschätzten Servicekosten von Motorola belaufen sich auf 60 bis 100 US-Dollar pro Monat. Das Unternehmen verglich die Betriebskosten mit denen eines durchschnittlichen Autotelefondienstes.

In der Erklärung sagte das Unternehmen, es gehe davon aus, dass die Menschen ihre Autotelefone weiterhin verwenden würden, und Mobiltelefone würden "absolut nicht" Standardtelefone ersetzen.

Das Original-Smartphone

1993 kündigten Bellsouth und IBM die Entwicklung des Simon Personal Communicator Phones an, das als weltweit erstes Smartphone angepriesen wird. Laut der Medienmitteilung des Produkts sollte Simon in erster Linie ein Mobiltelefon und dann ein Computer sein.

Das Gerät mit einem empfohlenen Preis von 899 US-Dollar verfügte über folgende Funktionen:

  • Ein Pager.
  • Email.
  • Ein Stift zum Schreiben auf dem Bildschirm, wobei die Handschrift für Faxe unverändert wiedergegeben wird.
  • Eine komplette Tastatur mit Buchstaben und Zahlen.
  • Ein Kalender, der automatisch von einem Remote-Computer aktualisiert werden könnte.

Nur 2.000 der Geräte, die weniger als 0,5 Kilogramm wogen, wurden hergestellt.

Handy-Kameras

Im Jahr 2002 wurden die ersten Telefone mit integrierter Kamera öffentlich verfügbar, darunter das Nokia 7650 und das Sanyo SPC-5300.

Laut einer damaligen Medienmitteilung verfügte das Nokia-Handy über ein "großes Farbdisplay mit 176 x 208 Pixeln". Die Sanyo-Version bot drei benutzergesteuerte Farbtöne, Weißabgleich und Zoom.

Das heutige iPhone 5 hingegen bietet eine Acht-Megapixel-Kamera mit Autofokus, Blitz und integrierter Gesichtserkennung.

BlackBerry's erstes integriertes Telefon

Der in Waterloo, Ontario, ansässige Smartphone-Riese, ehemals Research in Motion, stellte 2003 sein erstes integriertes Telefon vor. Als Teil der BlackBerry Quark-Serie war das BlackBerry 6210 das erste Gerät des Unternehmens, das Folgendes anbot:

  • Email.
  • SMS.
  • Ein Webbrowser.
  • BlackBerry Messenger-Dienst, der die webbasierte Kommunikation zwischen BlackBerry-Benutzern ermöglicht.

IPhone-Start

Im Januar 2007 brachte Apple sein erstes iPhone auf den Markt. Das Unternehmen beschrieb das Telefon als die Kombination von drei Produkten in einem Handheld-Gerät: ein Mobiltelefon, einen iPod und ein drahtloses Kommunikationsgerät.

Eine der revolutionäreren Funktionen des ursprünglichen iPhones war, dass Benutzer das Gerät nur mit den Fingern auf einem Touchscreen steuern konnten.

Weitere neue Funktionen waren eine visuelle Sprachbox, eine Touchpad-Tastatur, eine Fotobibliothek, die mit einem entfernten Computer verbunden werden konnte, und ein fast neun Zentimeter großes Display zum Ansehen von Filmen und Fernsehen.


Die komplette Geschichte der Marvel-Superheldenfilme: 1990-2008

Ironman mag das Spiel für Marvel-Filme verändert haben, aber Marvel hatte bereits eine lange Geschichte des Filmemachens vor der Schaffung des Marvel Cinematic Universe. Hier ist der zweite Teil unseres Rückblicks auf die Geschichte der Marvel-Comic-Filme, während wir in die 90er und bis ins Jahr 2008 vordringen.

Im ersten Teil unseres Rückblicks auf den Marvel-Filmkatalog vor dem Beginn der MCU im Jahr 2008 sahen wir den Aufstieg des TV-B-Movies und den ersten Flop auf der großen Leinwand des Unternehmens. Einige kurze Erfolge wurden größtenteils von enttäuschenden Unternehmungen für das Unternehmen getrübt, und im Falle von Howard die Ente, ein katastrophaler erster Vorstoß auf die große Leinwand.

Die geheime Geschichte der Marvel-Filme zuvor Ironman: Teil 1

Das Marvel Cinematic Universe hat das Gesicht der Blockbuster-Filme, wie wir sie heute kennen, verändert.…

Aber die eine Sache, die Marvel in seinen frühen Tagen und bis in die 90er und frühen 2000er Jahre fortführen wird, war die scheinbare Unfähigkeit, die Stärken ihrer Charaktere in Live-Action zu nutzen. Es bedurfte fast des Bankrotts und der schrecklichen Arbeit anderer Studios, bis das Unternehmen endlich seine Lektion lernte, die in der Erschaffung des Universums gipfelte, das heute noch Hollywood dominiert. Lass uns eingraben, ja?

Ein unglücklicher Start: Kapitän Amerika (1990-1992) und Tod des unglaublichen Hulk (1990)

Marvel ist mit einem Knall in die 90er Jahre eingetreten, aber nicht besonders gut. Zum ersten Mal seit Ende der 70er Jahre kehrte das Unternehmen zu Captain America zurück. Ein neuer Cap-Film war tatsächlich seit Mitte der 80er Jahre in Arbeit von der Cannon Group, die die Rechte von Marvel kaufte und mit der Arbeit an einem Drehbuch mit Hilfe von Stan Lee begann.

Menahem Golan verließ Cannon jedoch Ende der 80er Jahre und nahm die Rechte an Captain America sowie das derzeit in Arbeit befindliche Drehbuch mit. Golans neue Firma, 21st Century Film, plante ursprünglich, den Film anlässlich des 50 wegen seiner schlechten Produktionswerte und der zwielichtigen Herangehensweise an den Charakter gepannt.

Unglaublich seltsam und lächerlich billig: Albert Pyuns 30-jährige Karriere in B-Movies

Albert Pyun ist eine Legende unter den Low-Budget-Filmemachern. Er hat wahrscheinlich bei mehr Filmen über…

Auch an der eigentlichen TV-Filmfront schnitt das Unternehmen nicht so gut ab. Ein dritter und letztendlich letzter Film, der auf der klassischen Hulk-TV-Serie basiert, Tod des unglaublichen Hulks, ausgestrahlt im Jahr 1990. Wie die ersten beiden zuvor war geplant, dass der Film einen weiteren Marvel-Helden enthält – zuerst wurde She-Hulk angekündigt, aber dann wurde Iron Man in Betracht gezogen, bevor die Idee zugunsten einer Handlung, die das sah, komplett verworfen wurde Hulk opfert sich beim Höhepunkt des Films.

Obwohl es nie als das wirkliche Ende der Lou Ferringo/Bill Bixby-Version des Charakters geplant war (ursprünglich waren zwei weitere Filme geplant, die sich mit der Auferstehung von Banner befassen), bedeutete eine Kombination aus schlechter Einschaltquotenleistung und dem unglücklichen Tod von Bill Bixby dies die Serie war endgültig zu Ende.

Der Film, der nie war: Die fantastischen Vier (1994)

Es gibt ein sich wiederholendes Muster bei Marvels Versuchen, auf die große Leinwand zu kommen: Sie waren alle ein vollkommenes Durcheinander. Der erste Versuch, a Fantastischen Vier Film war sicherlich keine Ausnahme.

Die Rechte an einem Film, der auf Marvels erster Familie basiert, wurden Mitte der 80er Jahre vom deutschen Produzenten Bernd Eichinger mit einem Ablaufdatum für Ende 1992 eingeführt. Aber als die Zeit verging und das Verfallsdatum immer näher rückte, wurden Eichinger und sein Studio Neue Constantin zunehmend besorgt, sie zu verlieren, und so begannen sie mit der Produktion eines (freundlicherweise) als kleinformatigen B-Movies bezeichneten Films für ein geplantes Budget von 1 Million Dollar. Die Dreharbeiten begannen 1992 unter der Leitung des Musikvideo-Regisseurs Oley Sassone, mit einer geplanten Veröffentlichung für Ende 1993, die schließlich auf Anfang 1994 verschoben wurde – aber der Film kam nie zustande.

Bis heute kursieren Gerüchte darüber, warum der Film trotz Werbung und Premierenplänen nie auf die Kinoleinwand kam. Stan Lee hat Eichinger wiederholt beschuldigt, den Film lediglich gemacht zu haben, um die Eigentumsrechte zu erweitern, und nie beabsichtigte, den Film zu veröffentlichen (etwas, das den Darstellern und der Crew unbekannt war, die ihn im Vorfeld von 'release' aktiv beworben und beworben haben), Eichinger und Avi Arad, der damals eine Führungskraft bei Marvel war, erzählen jedoch eine andere Geschichte. Besorgt, dass eine absichtliche B-Movie-Version eines der beliebtesten Objekte von Marvel den Versuchen des Unternehmens, weiter in Live-Action zu expandieren, schaden könnte, kontaktierte Arad Eichinger und bot an, das für die Herstellung des Films ausgegebene Budget im Gegenzug für die Film nie veröffentlicht und alle vorhandenen Kopien werden übergeben. Eichinger stimmte zu, und ohne den Film zu sehen, ließ Arad jede Kopie vernichten.

Im Gegensatz zu Marvels früheren Flops auf großen Bildschirmen, Fantastischen Vier wurde nie auf Heimvideo oder sogar international veröffentlicht. Trotz der angeblichen Zerstörung jedes Drucks überlebten einige jedoch als Raubkopien. Hier ist eine YouTube-Version davon, die Sie sich ansehen können.


Erster kommerzieller Film gezeigt – GESCHICHTE

ERSTE CCD-FARBVIDEOCAM, SONY XC-1 - 1980. 1980 vermarktete Sony eine kommerzielle Farb-Videocam mit CCD. Die weltweit erste kommerzielle Farbvideokamera, die einen vollständigen Festkörper-Bildsensor, ein ladungsgekoppeltes Gerät oder CCD verwendet. Es war auch die kleinste Kamera auf dem Markt mit einem Gewicht von nur 2,8 Pfund. Wir glauben, dass wir die erste Website zur Geschichte von Digitalkameras waren, die ein Foto und Informationen zu dieser Kamera bereitstellte.

MA MIYA ZE 35 - 1980. Die ZE 35 war eine der letzten 35-mm-Spiegelreflexkameras von Mamiya. Es war die erste japanische Spiegelreflexkamera, die ein elektronisches Kopplungssystem verwendet, um Informationen zwischen dem Kameragehäuse und seinen Wechselobjektiven zu übertragen. Liste $365 (etwa $1020 in 2012 Dollar). Viele 35-mm-Spiegelreflexkameras wie die obige sind bei eBay in nahezu neuwertigem Zustand und zu sehr niedrigen Preisen erhältlich. Solche Kameras können Juwelen jeder Kamerasammlung sein.

RICOH A-100 - 1980. Die Ricoh A-100 war eine automatische 35-mm-Spiegelreflexkamera, die 1980 von Ricoh auf den Markt gebracht wurde. Die A-100 verfügte über einen AE-Modus mit Blendenpriorität und einen elektronisch gesteuerten Schlitzverschluss. Die Kamera war mit einem mehrfach vergüteten XR Rikenon 50mm f/1.4 Standardobjektiv aus 7 Elementen in 6 Gruppen angeordnet, konnte aber auch andere Rikenon K-Mount-Wechselobjektive verwenden. Der A-100 wurde von zwei 1,5-V-Silberoxidbatterien (JIS G13, Mallory MS76 oder Eveready S76) betrieben.


IBM PC 5150 - 1981. Der IBM PC ( PC = Personal Computer ) Modell #5150 wurde Anfang 1980 von einem Team von IBM-Ingenieuren in Boca Raton, Florida, konzipiert. Der IBM PC wurde am 12. August 1981 eingeführt. Digitale Fotografie, Mikkel Aaland, 1992, S. 11.

3,5-Zoll-FLOPPY DISK - 1981. Sony stellt die Diskette vor, mit der wir heute alle vertraut sind - 3,5 Zoll oder 90 mm. Als Ersatz für die 5,25-Zoll-Disk wurde eine Vielzahl von Disks in verschiedenen Größen hergestellt, aber als mehrere Unternehmen das 3,5-Zoll-Format von Sony übernahmen, wurde es zum Industriestandard.


FUJICA AX-1- 1981. Verschluss 1/2 - 1/1000 Sek. Objektiv Fujinon f/3.5-4.5, 43-75 mm Zoom. Das Objektiv und die Kamera in ausgezeichnetem Zustand wurden bei eBay mit einem Zuschlag von 9,95 USD erworben.



PENTAX ME-F - 1981. Die weltweit erste SLR-Kamera (Single Lens Reflex) mit TTL-Autofokus (Through-the-Lens). Klicken Sie auf das Bild, um eine vergrößerte Ansicht zu sehen.


POLAROID DER KNOPF - 1981 . Gespendet von Tatiya Hwang. Eine von mehreren Polaroid-Kameras, die die gleichen Filmpakete wie die viel teurere Polaroid SX-70-Kamera verwendet haben.

POLAROID 8x10 FILM - 1980. Polaroid begann mit der Produktion von Filmen in zahlreichen Variationen, darunter 8x10 Sofortbilder (Typ 891) und orthochromatische, durchscheinende Sofortdrucke (Typ TPX). Um diese Produkte zu verarbeiten, hat Polaroid eine Reihe von Filmprozessoren auf den Markt gebracht, die es ermöglichen, ihre 8x10-Produkte ohne Dunkelkammer oder chemische Lösungen zu verarbeiten. Oben sind ein Filmprozessor Modell 81-12 und ein Ladefach 81-09 dargestellt. Diese Artikel sind bei eBay immer noch üblich, aber die Filmprodukte können teuer und veraltet sein.



SONY MAVICA ELEKTRONISCHE KAMERA - 1981. Eine neue Ära der Fotografie beginnt. Am 25. August 1981 enthüllte Sony auf einer vollgepackten Konferenz in Tokio einen Prototyp der ersten Standbild-Videokamera des Unternehmens, der Mavica (Magnetic Vi deo Ca mera). Es zeichnete Bilder auf Zwei-Zoll-Disketten auf und gab sie auf einem Fernsehgerät oder Videomonitor wieder. Die Mavica war keine Digitalkamera, sondern eine TV-Kamera, die Standbilder in TV-Qualität auf Magnetplatten schreiben konnte, mit einem Verschluss, der es ihr ermöglichte, Frames innerhalb der Grenzen einzufrieren, die durch Twin-Field-Interlace festgelegt wurden, die das gesamte Bild ausmachten. Die Mavica war eine Einlinsenreflex mit Wechselobjektiven. Die ursprüngliche Mavica war mit drei Bajonettobjektiven ausgestattet: einem 25 mm f/2, einem 50 mm f/1.4 und einem 16-65 mm f/1.4 Zoom. Die CCD-Größe betrug 570 x 490 Pixel auf einem 10 mm x 12 mm großen Chip. F/Stop wurde manuell nach beleuchteten Pfeilen gesteuert, die im Sucher erschienen. Die Lichtempfindlichkeit wurde mit ISO 200 bewertet. Die ursprüngliche Mavica hatte nur eine Verschlusszeit, 1/60 Sekunde. Jedes Bild wurde in einem eigenen Kreis auf der Diskette aufgezeichnet, die Sony Mavipak nannte. Bis zu fünfzig Farbfotos können auf einem Mavipak gespeichert werden. Mehrfachbelichtung von 2, 4, 8. oder 20 Bildern kann ausgewählt werden. Die Mavica wurde mit drei Batterien der Größe AA betrieben. Bilder wurden auf einem Fernsehgerät angezeigt und wurden als gleichwertig mit der maximalen Leistung eines Fernsehgeräts dieser Zeit angesehen.


Schnittzeichnung der Sony Mavica
Erste betriebsbereite elektronische Fotokamera
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Sony-Werbung zur Ankündigung der elektronischen Standbild-Videokamera Mavica von Sony
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Bekanntmachung SONY CORPORATION

7-35 KITASHINAGAWA 6-CHOME. SHINAGAWA-KU, TOKYO, 141 JAPAN ________________________________________________________________________________

Die Sony Corporation gab heute bekannt, dass sie eine revolutionäre Video-Standbildkamera entwickelt hat, die die Vorteile fortschrittlicher elektronischer Technologie für magnetische Aufzeichnungen, CCD- und IC-Halbleiter vollständig verkörpert.

Die als MAVICA-System bezeichnete neue magnetische Video-Standbildkamera verwendet keinen fotografischen Film und erfordert daher keine Entwicklungs- und Druckprozesse, die für die konventionelle chemische Fotografie unverzichtbar sind. Diese neue Video-Standbildkamera stellt eine epochale Innovation in der Geschichte der Standfotografie dar.

Die konventionelle Kamera hat im Laufe der Jahre einige Verbesserungen erfahren, wie den Wechsel von der Trockenplatte zum Film, den Einsatz von Elektronik in bestimmten Teilen und die Reduzierung von Größe und Gewicht. Doch seit über 140 Jahren seit der Erfindung durch Daguerre aus Frankreich hat sich das Konzept und die Technologie der Fotografie, bei der Bilder durch chemische Reaktionen von lichtempfindlichen Materialien auf Film aufgezeichnet werden, nicht grundlegend geändert.

Das MAVICA-System von Sony ersetzt jeden chemischen Prozess durch ein elektromagnetisches System. Die MAVICA ist nicht größer als eine herkömmliche 35-mm-Spiegelreflexkamera. Ein Bild, das durch das Objektiv kommt, wird von einem zuvor von Sony entwickelten Solid-State-Imager namens CCD (Charge Coupled Device) in elektronische Signale umgewandelt. Die Signale werden auf einer sehr kleinen Magnetplatte namens MAVIPAK aufgezeichnet, die Sony für das neue Kamerasystem entwickelt hat.

Das neu entwickelte Speichermedium namens MAVIPAK kann 50 farbige Standbilder aufnehmen. Die aufgenommenen Bilder können über ein speziell entwickeltes Wiedergabegerät namens MAVIPAK Viewer sofort auf dem heimischen Fernsehgerät angesehen werden. MAVIPAK-Bilder erfordern keine Entwicklungs- oder Druckprozesse, wie sie in der chemischen Fotografie erforderlich sind. Es wird erwartet, dass aus dem MAVIPAK mittels eines neuen Farbdruckers, der derzeit von Sony entwickelt wird, Hardcopys von Farbbildern hergestellt werden können.

Floppydisk-Laufwerk - 1981. Sony stellt das erste 3,5-Zoll-Diskettenlaufwerk vor.


ERSTE SHUTTLE-SPACE-FOTOS - 1981. Die ersten Fotos aus dem Weltraum, die von Shuttle-Astronauten aufgenommen wurden, entstanden 1981. Cape Cod oben rechts (NASA).

Der Artikel auf der rechten Seite wurde vom Fairchild ASI Science Team auf der Physik-Website der University of Calgary veröffentlicht. Heruntergeladen 28.08.2002

Fotos oben links und das Polarlichtbild unten wurden in denselben Artikel aufgenommen.

UNIVERSITY OF CALGARY FAIRCHILD ALL-SKY CCD CAMERA - 1981. 1981 konstruierte das ASI (All-Sky Imager) Science Team der University of Calgary Canada die erste funktionsfähige Digitalkamera mit CCD (frühere digitale Versionen der Calgary All-Sky Camera eine Bildröhre verwendet). Die All-Sky-Kamera verwendete das erste kommerziell erhältliche CCD, das Fairchild 100 x 100 Pixel CCD von 1973 (siehe Seite der 1970er Jahre), daher der Name Fairchild All-Sky Camera. Im Gegensatz zu anderen frühen elektronischen Kameras lieferte die All-Sky-Kamera anstelle von analogen Daten digitale Daten und war damit die erste dokumentierte betriebsfähige Digitalkamera mit einem CCD-Imager. Es wurde verwendet, um Polarlichter zu fotografieren. Oben von links nach rechts: Kamera außen, Kamera innen, Kamera vor Ort. Unten gezeigt: Bild einer Aurora, die von der UC Fairchild All-Sky Camera aufgenommen wurde. Wir glauben, dass wir die erste Website zur Geschichte von Digitalkameras waren, die ein Foto und Informationen zu dieser Kamera bereitstellte.
http://aurora.phys.ucalgary.ca/index_past.html



HITACHI VK-C1000 - 1981. Erste Consumer-Videokamera mit Festkörper-Bildaufnahmevorrichtung (MOS - Metal Oxide Semiconductor) anstelle einer Bildaufnahmeröhre. Der Sucher war eher eine kleine Farb-CRT als ein LCD. Das Aufnahmegerät war im Grunde ein Tisch-Videorecorder mit einem daran befestigten Schultergurt. Der Akku war sehr groß und reichte für ca. 45 Minuten Aufnahmezeit. Um den Videorecorder ohne Batteriebetrieb zu betreiben, war eine separate Stromversorgung erforderlich. Vergleichen Sie mit den heutigen handtellergroßen Camcordern.

EIKONIX - 1982. Die Eikonix Corporation vermarktete das erste digitale Filmgerät. Es hatte einen 3000-Pixel-Scanner, der sich über 4000 Zeilen bewegte, um ein 12-MP-Bild zu liefern. Die ersten Bilder waren Graustufen, aber später wurden Rot-, Blau- und Grünfilter hinzugefügt, was zum ersten digitalen Farbfilm führte. Wir glauben, dass wir die erste Website zur Geschichte von Digitalkameras waren, die ein Foto und Informationen zu dieser Kamera bereitstellte.

SONY MAVICA PROTOTYP - 1982. Prototyp Mavica ähnlich dem 1981er Modell. Nicht produziert. Wir glauben, dass wir die erste Website zur Geschichte von Digitalkameras waren, die ein Foto und Informationen zu dieser Kamera bereitstellte.


SONY CDP-101 - 1982. Der CD-Player-Prototyp Goronta wurde auf der Audio Fair im Herbst 1981 gezeigt (Foto links). Am 1. Oktober 1982 wurde der Sony CDP-101 veröffentlicht - der weltweit erste Consumer-CD-Player. Die Compact Disc war digital und rekonstruierte den Ton aus einem schnellen Strom von Einsen und Nullen, die nacheinander auf der Disc gespeichert waren. Sony wählte 101 als Modellnummer, um die digitalen Einsen und Nullen darzustellen. Obwohl Experten der damaligen Zeit voraussagten, dass es mindestens zehn Jahre dauern würde, bis CDs einen ernsthaften Einfluss auf den LP-Verkauf hatten, und dass CD-Player niemals für Autos hergestellt werden würden, weil sie "nicht gebraucht wurden", eroberten CDs schnell den Markt für Tonträger und verbannte LPs in das Reich der Sammler und Vinyl-Diehards. UVP: 900 $. Wir glauben, dass wir die erste Website zur Geschichte von Digitalkameras waren, die ein Foto und Informationen zu diesen Gegenständen bereitstellte.

SCANNER-BILDÜBERTRAGUNG - 1982. Kodak demonstrierte die Bildübertragung mit einem Scanner. Don Sutherland, "Digital Deal", Photo Trade News, Kapitel 3, August 2000.

Nikon FM2 - 1982-2001. Manchmal müssen Sie mehr als 10-20 USD bezahlen, um bei eBay zu gewinnen und Artikel zu kaufen, aber das ist in Ordnung, wenn Sie mehr in Qualität oder Wert erhalten. Der obige Kauf ist ein Beispiel für beides. Die Nikon FM2 hatte einen Neupreis von 364 US-Dollar nur für das Gehäuse. Das wären etwa 873 Dollar in 2010 Dollar. Bis 1995 war der UVP auf 745 US-Dollar (1065 US-Dollar in 2010-Dollar) gestiegen. Der obige FM2 wurde zusammen mit drei Objektiven, zwei Blitzgeräten, einem Weston III-Belichtungsmesser, drei Filtern, einem Selbstauslöser, einer Fernbedienung, einer Gegenlichtblende und vier Objektivbehältern in ausgezeichnetem Zustand für 102,50 USD bei eBay gekauft. Die unerhörte Verschlusszeit von 1/4000 Sek. war zum Zeitpunkt ihrer Einführung einzigartig für die FM2.

SCHEIBENKAMERAS - 1982. Kodak begann 1982 mit der Vermarktung der Disc-Fotografie mit einer Reihe von Kompaktkameras, die um eine rotierende Filmscheibe herum gebaut wurden. Zwischen 1982 und 1990 wurde eine Vielzahl von Kameras auf Disc-Basis hergestellt. Die Disc 4000 (1982) und die Disc 4100 (1984) sind oben zusammen mit einer Disc-Kassette und einer inneren Filmdisc abgebildet. Unten sehen Sie eine Minolta- und eine Ansco-Version der Disc-Kamera.

ANSCO CADET 100 - 1983. Eine weitere Disc-Filmkamera, vermutlich hergestellt von Haking für Ansco.

Kodak Partytime II Kodamatic Sofortbildkamera - 1982. Kamera für die Sofortfotografie. Es wurde produziert, um es auf Tupperware-Partys kostenlos zu verschenken. Kodak begann 1977 mit der Herstellung von Sofortbildkameras. Polaroid, der 1948 Pionierarbeit bei der Sofortbildfotografie geleistet hatte, erhob rechtliche Schritte. 1985 erging nach langwierigen Rechtsstreitigkeiten ein Urteil gegen Kodak, der die Produktion von Sofortbildkameras und Film einstellen musste.

Kodak Kodamatic 960 Sofortbildkamera - 1982. Eine weitere Kodak Sofortbildkamera, die von Kodak eingestellt werden musste. Filmgröße: Kodak HS144 Instant. Verschluss: Elektronisch 1/15 - 1/250. Objektiv: Fest 100 mm f/12.8. Ursprünglicher Listenpreis: $78.00

Kodamatic 980L Sofortbildkamera - 1982. Ähnlich der 960, jedoch mit Autofokus. Kodaks einzige Sofortbildkamera mit Autofokus. Original-UVP: 115 US-Dollar.


SHARP ELECTRONIC STILL VIDEO CAMERA (ESVC) Prototyp - 1982. Ein Foto dieser Kamera wurde auf mindestens zwei Websites gezeigt, jedoch konnten wir in einer Google-Suche, in damaligen Fotomagazinen oder auf der sehr umfangreichen Historie von Sharp keine Erwähnung dieser Kamera finden. Dies könnte ein schnell erstelltes Modell gewesen sein, um es der Presse zu präsentieren, um tatsächlich zu sagen: "Hey, wir arbeiten auch an einem davon!" Als Sony im August 1981 eine tatsächlich funktionierende Standbild-Videokamera vorstellte, war die allgemeine Reaktion anderer Kamerahersteller fassungsloses Schweigen. Unternehmen, die nicht an eine elektronische Kamera dachten oder vielleicht eine solche Kamera auf Sparflamme hatten, wurden plötzlich in Aktion versetzt. Es war sofort klar, dass Sony, ein Elektronikunternehmen mit viel Erfahrung in der Produktion von Videokameras in professioneller Qualität, auf dem aufstrebenden Markt für elektronische Fotokameras jetzt einen großen Sprung vor vielen anderen hatte und daher besser seine eigenen Programme ins Spiel bringen sollte Hochtouren.


JVC GR-C1 - 1983. Erster VHS-Einzelvideo-Camcorder. Dieser Camcorder verwendete Compact VHS-Kassetten, die JVC 1982 einführte. Dies war das gleiche Band wie Standard-VHS und das gleiche Aufnahmeformat, aber in einer Kassette, die nur 1/3 der Größe hatte. Diese Kompaktkassette kann in eine VHS-Adapterschale voller Größe eingelegt werden, sodass sie auf jedem VHS-Gerät abgespielt werden kann. Auf diese Weise erreichte JVC eine Miniaturisierung, ohne die Kompatibilität mit älteren Geräten zu beeinträchtigen. Im Film 'Zurück in die Zukunft' (Foto oben rechts) verewigt, ist es der originale, definitive Camcorder.

KODAK PARTYSTAR Kodamatic Sofortbildkamera - 1983. Diese spezielle Kamera wurde für den Vertrieb auf Tupperware-Partys produziert.

MICRON TECHNOLOGY MICRON BULLET - 1983. Eine Anzeige von 1984 in Robotics Age besagte, dass die MincronEye-Kamera (als Einheit oder als Kit erhältlich) eine Auflösung von 128 x 256 Elementen (optischer RAM) hatte, die ein Graustufenfoto mit einem Stecker erzeugen konnte. and-go-Betrieb. Die Bilder waren angeblich von sehr geringer Qualität. Objektiv: 16 mm f/1.4. (FERNSEHER).

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STYLING-ÜBUNG - 1983. Von Luigi Colanie als Standbild-Videokamera entworfen, eine von fünf Kamera-Styling-Übungen, die 1983 von Canon in Auftrag gegeben wurden. Luigi Colani ist ein Deutscher, der 1928 in Berlin geboren wurde und für seine Meinungen wie "an Ei stellt die höchste Verpackungsform seit Anbeginn der Zeit dar" oder "keine geraden Linien im Universum". Seine Digicam sollte Festkörperspeicher verwenden und zeichnete sich dadurch aus, dass sich Objektiv und Sucher auf derselben Achse befanden. Das Blitzgerät sollte durch das Objektiv zünden. Auf der Photokina 1984 ausgestellt, sorgten die 5 System Mockups für große Sensation. Wir glauben, dass wir die erste Website zur Geschichte von Digitalkameras waren, die ein Foto und Informationen zu dieser Kamera bereitstellte.

CANON NEW SURE SHOT - 1983. Die dritte in Canons Sure Shot-Serie, die 1983 veröffentlicht wurde, war in den USA als (New) Sure Shot, in Europa als AF35M II und in Japan als Autoboy 2 bekannt.Seine Spezifikationen sind denen des ursprünglichen Sure Shot sehr ähnlich (diesmal jedoch mit einem 4-Element-, 4-Gruppen-Objektiv), können jedoch an der schrägen Kante in der Nähe des Auslösers erkannt werden.

NIMSLO 3D-KAMERA - 1983. Jerry Nims und Alan Lo. Eine von vielen 3D-35mm-Kameras, die im Laufe der Jahre von verschiedenen Herstellern hergestellt wurden. Die Nimslo war eine stereoskopische Kamera, die vier Fotos gleichzeitig auf 35-mm-Film aufnahm, die dann dreidimensionale Ansichten lieferten. Vier Fixfokus f5.6, 30mm Triplet-Objektive. Verschluss 1/30 bis 1/500 Sekunde. Das Museum für Wissenschaftsgeschichte, Oxford, England. Die Firma, die den Nimslo produzierte, wurde von einer anderen Firma übernommen, die mit der Nishika N8000 3D-Kamera nachfolgte (Foto rechts).

SONY BMC-100/110 - 1983. Die Sony BMC-100 (BMC-110 in den USA) Betamax war das erste Consumer-Modell, das eine Kombination aus Kamera und Rekorder auf den Markt brachte.

SANYO VRC 100 - 1983. Andere Hersteller produzierten Beta-Filmkameras ähnlich der Sony BMC-100/110, die dann unter verschiedenen Markennamen verkauft wurden. Sanyo und Toshiba stellten Eigenmarken für Sears, Marantz, Radio Shack, Rent-A-Beta, Navco, Magnasonic und andere her. Sony produzierte Einheiten für Zenith und Pioneer. Das Sanyo VCR 100-Kit wurde in einem gut sitzenden Aluminiumgehäuse sowie mit einem gefütterten Vinylgehäuse für die Kamera selbst geliefert.

FISHER CAM-500 - 1983. Eine typische Videokamera der 1980er Jahre. Es verwendete eine Saticon-TV-Tonabnehmerröhre mit Direktauslesung. Saticon-Röhren mit einer Selen-Speicherschicht wurden als geeignet für die Aufnahme schnell bewegter Bilder angesehen. Ihre typischen Eigenschaften waren geringe Verzögerung, hervorragende Auflösung und Signalgleichmäßigkeit.


PENTAX NEXA - 1983. Pentax demonstriert einen Prototyp einer analogen Schwarz-Weiß-Fotokamera, die Nexa. Die Bilder wurden auf einer Miniaturdiskette gespeichert. Wir glauben, dass wir die erste Website zur Geschichte von Digitalkameras waren, die ein Foto und Informationen zu dieser Kamera bereitstellte.


Ein Kuss ist immer noch ein Kuss

Aber ein Filmkuss ist nie nur eine formale Angelegenheit, ein Problem von Ebenen und Schatten und Schnitten. Ein Kuss ist mit Bedeutung aufgeladen, mit einer seltsamen und widersprüchlichen Kraft, die fast genau in dem Moment zum Ausdruck kommt, als Edison seine Shorts von einem anderen Erfinder des modernen Bewusstseins, Sigmund Freud, herstellte. Wenn Edison gleichzeitig mit den Brüdern Lumière in Frankreich die Maschinerie des kollektiven Träumens erfand, schrieb Freud die Bedienungsanleitung. Das Küssen nimmt in seinem Korpus zwar weniger Platz ein als in den Annalen Hollywoods. Seine Sexualitätstheorien konzentrierten sich auf Orte – die Genitalien, das Unbewusste –, für die die Filmkamera noch zögerlich oder schlecht gerüstet war.

Im 21. seiner „Einführenden Vorlesungen zur Psychoanalyse“ – einem Kapitel, das der Allgemeinen Theorie der Neurosen gewidmet ist – benutzte Freud das Küssen, um die Unterscheidung zwischen „normaler“ und „perverser“ Sexualität zu erschweren, was einerseits heterosexuellen Genitalverkehr bedeutete auf Reproduktion abzielen, und auf der anderen Seite so ziemlich alles andere. Der Kuss war der Hauptbeweis in seiner Argumentation, dass diese Trennung zu einfach sei: „Auch ein Kuss kann behaupten, als perverser Akt bezeichnet zu werden“, behauptete er, „da er darin besteht, zwei orale erogene Zonen anstelle von zwei Genitalien zusammenzuführen . Aber niemand lehnt es als pervers ab, im Gegenteil, es ist in Theateraufführungen als abgeschwächter Hinweis auf den sexuellen Akt erlaubt.“

Wie auch immer Freuds Einsichten als Theorie der menschlichen Libido bewertet werden, es besteht kein Zweifel, dass er nebenbei eine wunderbare Lücke in der Moral seiner Zeit identifizierte, die im Laufe des nächsten Jahrhunderts nur noch größer werden sollte. Küssen war als Hinweis auf „den sexuellen Akt“ erlaubt, der nicht direkt dargestellt werden konnte, und in den Filmen war es dank der Verbesserungen von Beleuchtung, Make-up, Nahaufnahmen und Decoupage ein noch breiterer und suggestiverer Hinweis als er war auf der Bühne. Ein Filmkuss war auch lange Zeit und unter verschiedenen formellen und informellen Zensurregimen ein Ersatz für alles andere. Ein Kuss war alles, was man auf der Leinwand zeigen konnte, und gerade die Umwandlung einer bestimmten, nicht genitalen sexuellen Aktivität in die Gesamtheit der Sexualität erfüllt Freuds Definition von Perversion.

In der Gegenwart, in der Internetvideos jeder erdenklichen sexuellen Handlung nur ein paar gut gewählte Suchbegriffe entfernt sind, blicken wir manchmal auf alte Filme als Artefakte einer unschuldigen, repressiveren Zeit zurück. Aber es ist vielleicht genauer, sie als die Kraft zu betrachten, die uns alle zu Perversen gemacht hat, indem sie all das andere Zeug unsichtbar durch sanfte, harmlose Andeutungen hineingeschmuggelt hat. Die Prudes, die den Production Code schrieben, der Hollywoods beginnende Aufsässigkeit zu Beginn der Sound-Ära eindämmte, vermuteten dies sicherlich. Da sie sich bewusst waren, dass sie nicht jedes Bild und Szenario kontrollieren konnten, verlangten sie, dass in einer Reihe sensibler Bereiche „besondere Sorgfalt walten sollte“, einschließlich „übermäßiger oder lustvoller Küsse, insbesondere wenn die eine oder andere Figur ein „schwerer“ Charakter ist.

Aber Lust und Exzess liegen im Auge des Betrachters, und der Zuschauer ist durchaus in der Lage, viel mehr auf die Leinwand zu projizieren, als der durch Nitrat hindurchtretende Lichtstrahl enthüllt. Ein Kuss ist nicht nur das keusche Zeichen für andere, ungezogenere Freuden – oder für sozial sanktionierte eheliche Beziehungen, die Babys zeugen. Es ist eine Einstiegsdroge, ein buchstäblicher Beweis dafür, dass die Schelten immer Recht hatten.

Filme drehten sich schon immer um Sex und boten immer unter dem Deckmantel harmloser Belustigung die Werkzeuge der sexuellen Initiation. Dies ist ein offenes Geheimnis. Industrie, Publikum und Kritik verschwören sich, um so zu tun, als ob etwas anderes als erotische Erfüllung der Grund für die Existenz der Kunstform sei. Und natürlich gibt es sehr viel Veredelndes und Inspirierendes, was der Film leisten kann, andere Leidenschaften, die sich wecken lassen, wenn wir im Dunkeln auf weichen Stühlen sitzen, umgeben von Fremden. Aber ab und zu verschüttet jemand das Popcorn.

In seinem Gedicht „Ave Maria“ ermahnt Frank O’Hara die „Mothers of America“, „lass deine Kinder ins Kino gehen!“ Der erste Grund besteht darin, Mama die Möglichkeit zu geben, ihre eigenen erwachsenen Interessen zu verfolgen: "Bring sie aus dem Haus, damit sie nicht wissen, was du vorhast." Aber sie werden auch die Möglichkeit haben, selbst etwas Unfug anzustellen („sie sind dir vielleicht sogar dankbar für ihre ersten sexuellen Erfahrungen“), „die dunkleren Freuden“ zu pflegen, die im Dunkel des Kinos blühen und das beinhalten die Möglichkeit, „den Film zu verlassen, bevor er zu Ende ist/mit einem netten Fremden, dessen Wohnung im Heaven on Earth Bldg/in der Nähe der Williamsburg Bridge liegt“. Auf der anderen Seite, wenn die Mütter nicht auf den Rat des Gedichts hören, "die Familie zerbricht / und Ihre Kinder werden alt und blind vor einem Fernseher / beim Sehen / Filmen würden Sie sie nicht sehen lassen, wenn sie es waren" Jung."

„Ave Maria“ ist eine perfekte Widerlegung der puritanischen Idee des schuldigen Vergnügens. Die Schuld in O’Haras Gedicht kommt von der Verleugnung und Verzögerung des Vergnügens. Die Kinder werden sich die Filme sowieso ansehen und auch das Vergnügen finden, das ihnen möglich ist – wie glaubst du, sind sie erblindet? – aber der Nervenkitzel wird vorbei sein, und die glückliche häusliche Anordnung, die alles möglich gemacht hat, wird zusammengebrochen sein. Ohne freien Zugang zu Perversität – zu „Schokoriegeln“ und „unbezahlten Popcorntüten“ – werden die Kinder niemals normal sein.

Erster Kuss auf dem Bildschirm: “The Kiss” (1896).

May Irwin und John Rice spielten ihre Bühnenrollen aus dem Broadway-Stück von 1895 “The Widow Jones” nach

Kredit. Kongressbibliothek

Erster Kuss auf dem Bildschirm: “The Kiss” (1896).

May Irwin und John Rice spielten ihre Bühnenrollen aus dem Broadway-Stück von 1895 “The Widow Jones” nach

Kredit. Kongressbibliothek

Bahnbrechender gleichgeschlechtlicher (Frauen-)Kuss: “Marokko” (1930).

Amy Jolly (Marlene Dietrich), eine Darstellerin in Zylinder und Smoking, wählt einen Zuschauer aus.

Kredit. Everett-Kollektion

Bahnbrechender Zungenkuss: “Pracht im Gras” (1961).

Deanie (Natalie Wood) und Bud (Warren Beatty), Teenager-Liebhaber, knutschen in einem geparkten Cabriolet. 

Kredit. Mary Evans/Ronald Grant/Everett Collection

Bahnbrechender Interracial-Kuss: “Guess Who’s Coming to Dinner” (1967).

Der einzige Kuss, den Dr. John Prentice (Sidney Poitier) seiner Verlobten Joey Drayton (Katharine Houghton) gibt, ist im Rückspiegel zu sehen.

Kredit. Everett-Kollektion

Bahnbrechender Kuss zwischen den Arten: “Planet of the Apes” (1968).

George Taylor (Charlton Heston) und Zira (Kim Hunter) verabschieden sich.

Kredit. 20th Century Fox Film Corporation/Everett Collection

Bahnbrechender Kuss über 50 Jahre: Harold und Maude (1971).

Harold (Bud Cort) und Maude (Ruth Gordon) feiern ihren 80. Geburtstag.

Kredit. Everett-Kollektion

Bahnbrechender gleichgeschlechtlicher (Männer) Kuss: “Sunday Bloody Sunday” (1971).

Dr. Daniel Hirsh (Peter Finch) begrüßt Bob Elkin (Murray Head), einen jungen bisexuellen Künstler-Bildhauer.

Kredit. Everett-Kollektion

Längster Kuss auf der Leinwand: “Kids in America” (2005).

Holden (Gregory Smith) und seine Freundin Charlotte (Stephanie Sherrin) küssen sich sechs Minuten lang.

Kredit. Steve Sanacore/Vision Filme


Erster kommerzieller Film gezeigt – GESCHICHTE

1936 demonstriert RCA eine vollelektronische Fernsehsendung mit 343 Zeilen/30 Bildern pro Sekunde, die die Ankunft eines vollständig funktionsfähigen Fernsehsystems signalisiert. Dieser Sommer führte zur ersten großen Übertragung mit diesem neuen Medium, den Olympischen Sommerspielen in Berlin, die von Telefunken mit RCA-Geräten im Fernsehen übertragen wurden. Ein weiterer großer Sender gewinnt an Bedeutung, als die BBC am 2. November den "weltweit ersten öffentlichen, regulären HD-Fernsehsender" startet.

Während der Weltausstellung 1939 stellte David Sarnoff, Präsident von RCA, die erste kommerzielle öffentlich zugängliche Fernsehsendung vor. In Flushing NY verkündete er "Jetzt fügen wir dem Klang Sicht hinzu" und während der Eröffnungszeremonie der Messe am 30. April wurde FDR der erste Präsident, der jemals im Fernsehen übertragen wurde. Bereits am nächsten Tag wurden Fernsehgeräte an die Öffentlichkeit verkauft, und RCA/NBC begann täglich mit regelmäßigen Sendungen. Ende der 30er Jahre gab es in Amerika einige hundert Fernseher.

Der nächste große Schritt in der Fernsehübertragung erfolgte am 1. Juli 1941, als die FCC den kommerziellen Rundfunk genehmigte. NBC hatte den ersten Werbespot überhaupt mit einem 10-Sekunden-Werbespot, der ihnen 7,00 $ einbrachte. Am 7. Dezember wurde Pearl Harbor von den Japanern angegriffen, was die erste große Nachrichtenmeldung wurde, die vom Fernsehen verbreitet wurde.

Nach Kriegsende wird der Fernsehverkauf in den USA mit dem 630-TS-Modell von RCA mit über 43.000 verkauften Einheiten immer beliebter. Das Fernsehen wird sich langsam in das Gefüge des amerikanischen Lebens eingraben. Die erste Übertragung eines World Series-Spiels fand am 30. September 1947 statt: Die New York Yankees gegen die Brooklyn Dodgers. Harry Truman ist der erste Präsident, der am 5. Oktober eine Fernsehansprache aus dem Weißen Haus hält. Howdy Doody, die erste auf Kinder ausgerichtete Show, startet am 29. Dezember 1947 auf NBC.

1948 beginnt die Fernsehproduktion stark zu wachsen. Im Juli 1948 gibt es in den USA 350.000 Fernsehgeräte. Bemerkenswerterweise befinden sich 3/4 davon in Städten des östlichen Netzwerks und die Hälfte davon in der Nähe von New York City. Dies war der Fall, weil das Fernsehen ohne Signal nutzlos war und nur sehr wenige Städte außerhalb des Nordostens ein klares Signal zum Originalprogramm hatten.

Geld und Sponsoring wurden in Fernsehübertragungen sehr wichtig. Eine Studie ergab, dass sich 68 % der Zuschauer an die Namen der Programmsponsoren erinnern(3), was die Werbetreibenden dazu veranlasste, mehr Veranstaltungen zu sponsern. Gillette zahlte zum Beispiel über 100.000 US-Dollar (heute 1,1 Millionen US-Dollar) für die Fernsehrechte des Louis-Walcott-Rückboxkampfes und die Fernsehrechte für Baseballspiele in New York City kosteten 700.000 US-Dollar (7,7 Millionen US-Dollar).

In Fortsetzung des phänomenalen Wachstums befanden sich 1948 2 Millionen Fernsehgeräte in amerikanischen Haushalten (davon allein 720.000 in New York City). Am 4. September 1951 wurde die erste Fernsehsendung von Küste zu Küste ausgestrahlt, als Präsident Truman vor 13 Millionen Fernsehsendern sprach setzt.

Fernseher waren immer noch hauptsächlich in Städten zu finden, einfach weil die Fernsehsender nur in Städten zu finden waren (insbesondere in New York). In den späten 1940er Jahren kam jedoch ein Bewohner von Mahanoy City, Pennsylvania namens John Walson auf die Idee, einen Sender darüber zu bauen des Berges zwischen Philadelphia und seiner Stadt. Nach dem Kauf dieses Senders begann er, seinen Stadtbewohnern Fernsehen über Koaxialkabel anzubieten. Dies erwies sich als so effektiv, dass der Gouverneur von Pennsylvania ein Stammkabelsystem anführte, das es ermöglichte, Signale aus New York und Washington in seinen gesamten Staat zu "importieren".

Die nächste große Innovation kam im April 1954, als RCA ein Farbfernsehgerät einführte. Mit nur 5.000 verkauften Exemplaren im ersten Jahr war es zunächst nicht beliebt. Bemerkenswert ist, dass diese Akzeptanzrate viel höher war als die ursprünglichen Fernsehverkäufe (obwohl erst 1964 eine Million Farbfernseher pro Jahr verkauft werden). Farbe.

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